sound + vision

Madonna, 2012

2012-02-03T15:50:00.002Z

Era esperado em contagem decrescente. E à hora esperada o teledisco chegou. Com as participações de M-I.A. e Nicki Minaj, Madonna entra com pé direito na era MDNA... Uns furos acima da etapa Hard Candy... Voltaremos ao assunto. Mas para já ficam as imagens de Give Me All Your Luvin'...

J. L.: Comecemos pelo princípio. E no princípio era o verbo. Percorremos a letra de Give Me All Your Luvin' e percebemos que, para além das aparências, passados os 50 anos, hélas!, não há espaço para brincadeiras fúteis. Desde logo porque Madonna avisa a população contra a pacatez circundante ("todos os discos soam ao mesmo"), propondo a óbvia alternativa ("tens de entrar no meu mundo"). Que mundo é esse? Pois bem, aquele em que ela se duplica, esclarecendo-nos que nos enganamos sempre porque nenhuma imagem é fixa, muito menos definitiva.
Em boa verdade, acontece assim desde 1985, quando ela se encarnou em Material Girl, sobrevivendo para além da ressurreição da imagem de Marilyn. Os seus telediscos são sempre jogos de espelhos, a ponto de ela se atrever a duplicar-se enquanto personagem morta (cf. Bad Girl, obra-prima de 1992 realizada pelo Sr. David Fincher, outro que conhece todos os regimes de duplicação da verdade, ou da verdade como duplicação).
Enfim, Madonna dá-se ao luxo (e o luxo, entenda-se, é uma prerrogativa, mais ética que estética, que poucos sabem merecer) de citar a sua história mais primitiva, retomando um verso de 1984, de Lucky Star, you must be my lucky star, para o transfigurar em you can be my lucky star. A personagem imperativa (you must) renasce, assim, como agente agregadora (you can) — envelhecer em regime de crescente tolerância com os mortais é uma intocável prerrogativa das Rainhas.

[Madonna]
L-U-V Madonna
Y-O-U You wanna
I see you coming and I don't wanna know your name
L-U-V Madonna
I see you coming and you're gonna have to change the game Y-O-U You wanna
Would you like to try?
Give me a reason why
Give me all that you got
Maybe you'll do fine
As long as you don't lie to me
And pretend to be what you're not

[Chorus]
Don't play the stupid game
Cause I'm a different kind of girl
Every record sounds the same
You've got to step into my world
Give me all your love and give me your love
Give me all your love today
Give me all your love and give me your love
Let's forget about time
And dance our lives away

[Madonna]
L-U-V Madonna
Y-O-U You wanna
Keep trying don't give up, it's if you want it bad enough
L-U-V Madonna
It's right in front of you, now tell me what you're thinking of Y-O-U You wanna
In another place, at a different time
You can be my lucky star

We can drink some wine
Burgundy is fine
Let's drink the bottle every drop

[Chorus]
Don't play the stupid game
Cause I'm a different kind of girl
Every record sounds the same
You've got to step into my world
Give me all your love and give me your love
Give me all your love today
Give me all your love and give me your love
Let's forget about time
And dance our lives away

[Bridge]
You have all the L-U-V
I gave you everything you need
Now it's up to Y-O-U
Are you the one, shall we proceed?
M-A-D Don't make me
L-U-V It's time for
Y-O-U It's up to
L-U-V I want your

[Chorus]
Don't play the stupid game
Cause I'm a different kind of girl
Every record sounds the same
You've got to step into my world
Give me all your love and give me your love
Give me all your love today
Give me all your love and give me your love
Let's forget about time
And dance our lives away!

Björk, num estúdio de televisão

2012-02-03T09:29:00.005Z

A cantora islandesa Björk passou esta semana pelo programa de televisão norte-americano The Colbet Report para apresentar Cosmogony, um dos mais belos temas do álbum Biophilia, que editou no ano passado. Aqui ficam as imagens.

The Colbert Report
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Novas edições: Philip Glass, The Essential Philip Glass

2012-02-03T09:24:00.004Z

Philip Glass

"The Essential Philip Glass"

Sony Classical

4 / 5

Philip Glass editou alguns títulos de absoluta referência na etapa em que esteve associado à CBS Records, entre finais de 70 e a reta final dos anos 80. O primeiro lançamento pela CBS Classics foi a gravação de Einstein on The Beach, uma caixa de quatro LPs em vinil que em 1979 havia conhecido primeiro lançamento via Tomato Records. O sucesso desta sua primeira gravação da ópera abriu espaço a uma nova série de desafios que passaram pela criação de uma série de pequenas peças expressamente pensadas para o formato de um LP (e assim nasceu Glassworks em 1982) ou um ciclo de canções que contou com colaborações de figuras da música popular como Paul Simon, David Byrne, Suzanne Vega, Linda Rondstat ou Laurie Anderson (editado em 1986 com o título Songs From Liquid Days). Apesar de ter lançado discos por outras editoras neste mesmo período (a música de Mishima enceta o seu relacionamento com a Nonesuch, a banda sonora de Koyaanisqatsi sai pela Antilles e a gravação integral de Music in 12 Parts pela Virgin), Philip Glass apresentou através da CBS Classics alguns dos seus mais marcantes discos dos anos 80, alguns hoje tidos como clássicos centrais da sua obra. The Photographer (1983), Dance Pieces (1987) e Solo Piano (1989) são exemplos maiores de um período de afirmação global da obra do compositor que assistiu ainda à conclusão do registo da trilogia das óperas-retrato com as edições de Satyagraha (em 1985) e Akhnaten (1987). É este baú de importantes memórias que serve de base à antologia The Essential Philip Glass que agora surge num formato “extended” com um terceiro disco (que na verdade não é mais senão a compilação Songs From The Trilogy, com excertos das gravações das três óperas-retrato). A etapa de gravações que correspondem a um intervalo entre 1979 e 89 junta-se ainda a presença de elementos de Naqoyqatsi, a banda sonora do filme que completou a trilogia “qatsi” que Glass desenvolveu juntamente com o realizador Godfrey Reggio. Fica de fora muita da música orquestral (que tomou maior protagonismo na obra de Glass a partir dos anos 90) assim como não está representada a etapa de formação da sua linguagem (e que corresponde ao período minimalista da sua composição). Mesmo assim, aqui mora um cartão de visita para iniciados. Pena a ausência de qualquer texto que conte o quem, o onde, o quando e o porquê da história que aqui se escuta...

As "estrelas" dos Marretas (1)

2012-02-03T09:21:00.001Z

Em tempo de regresso dos Marretas aos cinemas, vamos recordar algumas das suas personagens e situações. Começamos por evocar a figura de Marvin Suggs, o tocador do Muppaphone, “instrumento” que não é senão um xilofone feito de bolas fofinhas... Marvin, que Cocas diz ser incomparável porque não se lembra de nada que se possa com ele comparar, surgiu em vários episódios da série e fez até um cameo no recente teledisco dos OK Go para a versão do tema de abertura do Muppet Show. Aqui ficam imagens de uma das suas atuações... Ao som de Witch Doctor.

Dois irmãos (e muitas cartas)

2012-02-03T09:18:00.000Z

A Quetzal acaba de lançar entre nós uma tradução de Encontro à Beira Rio, romance originalmente publicado em 1967 por Christopher Isherwood.

Data de 1967 e levou Christopher Isherwood a focar as suas atenções em cenário indiano. Residente em Los Angeles há já algum tempo, o escritor inglês não rompe contudo em definitivo as suas ligações mais profundas com a identidade britânica, escolhendo como protagonistas dois ingleses. Dois irmãos. Um está prestes a tomar os votos que o afastarão da vida que até então conhecera para passar a integrar um mosteiro na Índia. O outro, mais velho, de visita para o tentar compreender (quem sabe se procurar demover de tamanha decisão)... É com as águas do rio Ganges a seu lado que a narrativa evolui. Uma história que acompanhamos essencialmente entre as cartas que o irmão mais velho troca com a mulher, a mãe e um homem que entretanto conheceu em Los Angeles (onde prepara a rodagem de um filme) e as notas do diário do mais novo que, com sentido crítico, contrapõe a essas palavras uma outra leitura sobre os mesmos factos. De resto é entre jogos de contradições que Encontro à Beira Rio ganha a sua vitalidade. As cartas que o irmão mais velho envia quer para Inglaterra quer para Los Angeles mostram visões diferentes da mesma realidade, a cada uma a sua escrita aplicando um filtro através do qual expressa não o que pensa, mas o que quer que julguem que vê e sente. Não é difícil sentir qual das visões está mais próxima da verdade, mas da multidão de diferenças que afinal moram no seu discurso mais não passa senão a expressão de um conflito maior que, no fundo, vive internamente.

Depois de Um Homem Singular (que teve recentemente vida no cinema numa soberba adaptação de Tom Ford) e de Adeus a Berlim (o mais célebre romance do autor e ponto de partida para a criação do Cabaret, de Bob Fosse), é interessante esta opção para terceiro volume na edição de uma obra marcante da literatura em língua inglesa do século XX que estava (apesar de pontuais edições no passado) algo arredada dos escaparates nacionais.

Uma celebração da cultura pop japonesa

2012-02-03T09:15:00.001Z

Mês Pet Shop Boys - 3

Recordamos hoje uma canção que, apesar de ser dos melhores singles da obra dos Pet Shop Boys depois da viragem do milénio, foi título que passou algo fora do foco das atenções. Flamboyant foi o segundo do par de inéditos que o grupo lançou quando, em 2003, apresentou a antologia PopArt. Editado já em inícios de 2004 a canção reflete uma presença de elementos electro (recorde-se que o electroclash fora acontecimento marcante em alguns setores na alvorada da década dos zeros), porém devidamente assimilados na matriz de genética pop e disco que sempre animou a música dos Pet Shop Boys. O teledisco, assinado por Nico Beyer, representa uma celebração da cultura pop japonesa.

Imagens do teledisco de Flamboyant

Uma fuga em três partes

2012-02-02T10:02:00.000Z

Um teledisco de animação apresenta os primeiros sons daquele que será o novo álbum a solo de M Ward (ou seja, uma das metades da dupla She & Him). A Wasteland Companion tem data de lançamento agendada para Abril. Para já deixamos as imagens que acompanham The First Time I Ran Away. A realização é de Joel Trussell.

Discos Pe(r)didos: Fortran 5, Blues

2012-02-02T09:54:00.001Z

Fortran 5

"Blues"

Mute Records

(1991)

A revolução de costumes que mudou o perfil (e visibilidade) da música de dança entre 1987 e 88, a maior divulgação dos trabalhos de pioneiros do tecnho e da house que se seguiu e o surgimento de novas máquinas ao serviço da criação de música abriu portas para o surgimento de uma multidão de ideias que se expressaram num sem fim de discos que, entre 1989 e 1992 mudaram o mapa global da música electrónica (e suas periferias). Entre novos artistas e novas encarnações de outros já experientes, o panorama discográfico acolheu estreias atrás de estreias, algumas, mesmo com impacte naquele tempo, acabando todavia arrumadas (e hoje algo esquecidas) nas prateleiras da memória. Recuperamos hoje o álbum de estreia de uma dupla que valeu a pena acompanhar na primeira metade dos anos 90. Já tinham carreira nos oitentas. De resto, respondendo como I Start Counting, David Barker e Simon Leonard já tinham uma discografia que contava já dois álbuns e mais de meia dúzia de singles, lançados via Mute Records entre 1984 e 89. Mudaram de nome e afinaram azimutes a novo rumo com a chegada dos noventas, passando a apresentar-se como Fortran 5 e revelando não apenas maior atenção para com as programações rítmicas e registos electrónicos, mas também um interesse pela construção de ideias pela soma de samples, muitas das vozes (sobretudo no primeiro álbum) resultando de situações de corte e colagem. A estreia fez-se ao som de Crazy Earth, pouco depois chegando Blues, um álbum de estreia que arrumava a nova montra de propostas das dupla Barker/Leonard entre os cenários de modernidade que desenhavam aceitando heranças formadoras, nomeadamente uma admiração maior por Syd Barrett (que se manifesta, porexemplo, em duas abordagens ao histórico Bike, do álbum de estreia dos Pink Floyd). Blues é um disco de horizontes largos e gosto pelo tactear de novos caminhos. Do mais direto apelo de formas ligadas à construção para a pista de dança (como se escuta em temas como Groove, Love Baby ou XX21) ao paisagismo textural de Blues Pt. 1 ou Inanga este é um disco que, sem querer ser paradigma daquele tempo, acaba no entanto por revelar afinidades com outros seus contemporâneos (como os Fluke, Hypnotone, 808 State ou The Orb), apesar de deixar claramente vincadas marcas de personalidade (uma certa britishness, por exemplo) que os demarcaram e lhes garantiram a afirmação de uma identidade. O disco inclui pequenas pérolas como Heart Down The Line, canção pop com tempero house e a contribuição vocal das Miranda Sex Garden, o single de estreia Crazy Earth ou a desconstrução de Bike (em duas versões), usando excertos de diálogos de humoristas britânicos (um deles Steve James) para reconstruir a letra do tema dos Pink Floyd. Fruto de assimilação de ecos da cultura house e de outros sinais dos tempos que se viviam, Blues é essencialmente um espelho (interessante, sublinhe-se) do mundo ao seu redor, não deixando contudo de marcar o seu espaço pela forma como arrumou as suas idiossincrasias entre a mobília e a decoração da casa.

Ao som dos Pet Shop Boys com Vitor Belanciano

2012-02-02T09:48:00.001Z

Ao longo deste mês estamos a evocar memórias dos Pet Shop Boys. Alguns convidados vão ajudar-nos a contar algumas destas histórias, lembrando aquele que tenha sido o mais marcante (para si, claro) dos discos desta dupla. Hoje escutamos West End Girls, que nos é apresentado por Vitor Belanciano, jornalista do Público. Ao Vítor um muito obrigado por esta colaboração.

Segundo a mitologia da pop muitas vezes é difícil superar a excelência de um primeiro álbum. Percebe-se a ideia. É como se determinado projecto tivesse tido todo o tempo do mundo para criar, sem grandes pressões, a sua obra de arte perfeita e, depois de ter sido lançada, sobrassem as dúvidas: o que fazer a seguir? Continuar na mesma linha ou encetar uma ruptura?

Agora enderecemos esta lógica para um single como West end girls, que deu a conhecer os Pet Shop Boys ao mundo em 1984, uma canção próxima da perfeição, uma das melhores de sempre da história da cultura popular, equilíbrio exemplar entre clima melancólico, derivação rítmica insinuante, voz elegante e uma letra preocupada com os caminhos da sociedade Inglesa da época, ao que parece inspirada no poema The waste land de T.S. Eliot.

Consta que Neil Tennant, principalmente este, e Chris Lowe, terão ficado chateados quando ouviram Blue Monday, porque os New Order endereçavam aí uma mudança completa de sonoridade, próxima daquele que o duo também perseguia. Mas não havia razões para preocupação, já que qualquer um desses temas mantém uma frescura inigualável.

Talvez não olhemos hoje para ele dessa forma, mas a ideia original de Tennant e Lowe era provocar uma combinação entre as linhas de baixo do hip-hop e do electro e ritmos mais próximos do house dos primórdios. O resultado, na altura, como ainda hoje, é um tema hipnótico, capaz de criar uma atmosfera intensa e inquieta, mas deixando um rasto de leveza atrás.

Depois desse tema inaugural, a dupla viria a lançar outros singles extraordinários (álbuns com o mesmo nível de excelência dos singles já é mais discutível) mas West end girls haverá de ficar para sempre, pelo menos para mim, como a sua canção mais marcante. Há alguns anos em entrevista a Neil Tennant este dizia-me que, nessa altura, não havia sido fácil romper com os códigos do rock, então predominantes, mas a verdade é que West end girls alcançou o 1º lugar do top nos EUA e Inglaterra.

Tal como a canção, também o vídeo, da autoria de Andy Morahan e Eric Watson, é excelente. De alguma forma nessa dupla capacidade de expor ideias e imagens para as canções inauguravam uma nova forma de estar que, nem os New Order, que apesar de tudo se mantiverem fiéis ao figuro habitual dos concertos rock, alguma vez ousaram. Com os Pet Shop Boys a pop passou a ser mais conceitual, cuidada visualmente e teatralizada.

Imagens do teledisco de West End Girls.

Casas com livros (muitos livros)

2012-02-02T09:42:00.003Z

Fotos tiradas do artigo da Flavorwire

A Flavorwire apresentou uma lista das 20 livrarias mais belas do mundo. É uma lista. E como quaisquer listas, uma escolha que inclui e exclui... Mas convenhamos que a seleção é magnífica, ora revelando ideias de reaproveitamento de espaços antigos (uma igreja dominicana em Maastricht, um velho teatro em Buenos Aires, uma estação de caminhos de ferro desativada em Alnwick, no Reino Unido) ou exemplos de nova arquitetura e design (em Milão, Roma ou Los Angeles). A lista não esquece ainda espaços com história, como é o caso da belíssima Shakespeare & Co. em Paris. Tem duas entradas portuguesas: a Lello, no Porto e a Ler Devagar na LX Factory, em Lisboa, com a representação em língua portuguesa a passar ainda por São Paulo (Brasil), com Livraria da Vila. As três imagens que abrem este post mostram olhares pela Selexyz, em Maastricht, a El Ateneo Grand Spendid em Buenos Aires e a Plural (desenhada em escada) em Bratislava, na Eslováquia. O artigo, além de apresentar imagens das 20 livrarias, propõe links para as próprias, os designers que as criaram ou sites de quem as visitou e para elas chamou atenções. Vale a pena ver e ler.

Podem ler o artigo completo aqui.

007 Skyfall: a primeira imagem

2012-02-02T09:36:00.003Z

E eis que chega uma primeira imagem do novo filme James Bond. Skyfall, o 23º filme oficial da saga 007 tem Sam Mendes como realizador e uma vez mais conta com Daniel Craig como protagonista. O elenco junta ainda nomes como os de Judi Dench, Ralph Fiennes, Berenice Marlohe, Naomie Harris, Helen McRory ou Javier Bardem. A sinopse reza que “a lealdade de James Bond a M é testada no momento em que o passado da chefe dos serviços secretos regressa para a atormentar. E quando o MI6 é atacado, o espião 007 tem de procurar e destruir a ameaça, independentemente dos custos pessoais que a ação possa acarretar” [tradução adaptada do texto citado pelo NME].

Vídeo jogos, bowling e matraquilhos

2012-02-01T10:02:00.000Z

Em paralelo às Vivian Girls Kathy Goodman desenvolve uma obra através das La Sera. A banda prepara-se para lançar no mês de março o seu segundo álbum que tem como cartão de visita este Please Be My Third Eye. Aqui fica o teledisco, realizado por Vice Cooler.

Novas edições: Leonard Cohen, Old Ideas

2012-02-01T09:55:00.001Z

Leonard Cohen

"Old Ideas"

Columbia Records / Sony Music

4 / 5

Ninguém esperava um disco novo. Na verdade ninguém deveria esperar até a longa digressão que entre 2008 e 2010 manteve Leonard Cohen na estrada, valendo-lhe até três novas ocasiões de visita a palcos portugueses (2008 em Algés, 2009 e 2010 no Pavilhão Atlântico, em Lisboa)... Todavia, e conhecendo toda uma obra sempre mais centrada na afirmação de um autor que de um intérprete, seria estranho imaginar três anos de repetições incessantes de velhas canções sem nada mais. E depois do acenar à plateia do último concerto da digressão, Cohen acabou por voltar a estúdio, de lá saindo com uma mão cheia de novas canções que agora edita sob o título Old Ideas. E convenhamos que o disco começa desde logo por mostrar um título certeiro e sonante. Velhas ideias... Pois que novas não esperamos (nem queremos) em Leonard Cohen, o que não nos impede de celebrar a experiência conjunta com Philip Glass em 2007 em Book of Longing ou a forma como o músico se juntou aos U2 para reinventar Tower of Song na banda sonora do filme Leonard Cohen: I’m Your Man, de 2006. Velhas são as ideias ou, antes as “obsessões” temáticas que desde 1967 fazem as suas canções de amor, fé, derrota e melancolia. Velhas ideias são as formas como desenvolve as canções, os arranjos aceitando ecos de um classicismo apurado ao patamar da excelência entre finais de 70 e meados de 80, a inevitável presença de vozes femininas nos coros desenhando contrastes que vincam a intensidade da sua presença. Velhas são as cores de uma voz grave, que o tempo tornou ainda mais dramática e segura... E tudo isto sem que o velho saiba a usado ou cansado, as novas canções na verdade vincando o tempo em que nascem e a consciência não apenas de um tempo que passou mas também de um tempo que resta. É por isso que tanto nos diz das suas canções serem “a manual for living in defeat” (logo na faixa de abertura, Going Home), como salienta “I got no future / I know my days are few” (em Darkness, o pulsante assimilar de ecos distantes de heranças de uns blues numa matriz que não escapa contudo a uma linguagem que reconhecemos imediatamente como sendo de Leonard Cohen). Aos 77 anos não lhe pedimos muito mais. Se este for o seu último disco de originais (surge quase oito anos após Dear Heather), completa uma obra num momento iluminado e sábio. Haverá contudo arquivos mais para levar a disco (como recentemente com a gravação da atuação na ilha de Wight, em 1970). E mais haja, estaremos sempre todos a ganhar...

Um mês a ouvir os Pet Shop Boys

2012-02-01T09:50:00.000Z

Mês Pet Shop Boys - 1

Depois de um mês dedicado a Philip Glass (por ocasião da celebração dos seus 75 anos assinalados precisamente ontem), o Sound + Vision destaca ao longo de fevereiro algumas memórias da história dos Pet Shop Boys. O motivo é a edição, já na próxima semana, de uma antologia de temas originalmente lançados em lados B de singles. Mas na verdade nem era preciso um motivo maior para justificar um percurso através de uma das mais sólidas e marcantes carreiras da história da música pop.E começamos esta evocação de memórias com uma canção que teve uma história em vários episódios.

Falemos então de One More Chance. Originalmente lançado no formato de single em 1984 foi o segundo 45 rotações dos então praticamente desconhecidos Pet Shop Boys, ainda a ligação a uma multinacional era cenário distante dos seus horizontes. A canção nasce diretamente de uma etapa de descoberta da noite nova iorquina por parte de Neil Tennant e Chris Lowe. A música partiu de elementos de uma composição que o produtor Bobby Orlando tinha para Divine mas que acabara por não usar. A letra nasceu depois de um passeio noturno de Tennant pela Broadway. Editado em poucos territórios, através de pequenas etiquetas locais, a canção passou longe das atenções. Foi retomada anos depois para o segundo álbum do grupo, com nova base instrumental contando com maior contribuição de Chris Lowe e chegou mesmo a ter lançamento em single com novas remisturas.

Imagens de One More Chance (na versão de 1987)

Thomas Struth em percurso virtual

2012-02-01T09:46:00.003Z

Fotos de Thomas Struth

Esteve patente em Serralves desde finais de Outubro até este domingo uma exposição do fotografo alemão Thomas Struth. Retratos de famílias, de cidades (não esquecendo uma série de finais dos anos 70 sobre Nova Iorque ou uma outra, mais recente, em Lima, no Perú), de florestas... Para quem não pôde passar por Serralves, uma visita virtual a várias exposições de Struth pode ser feita aqui. Além das imagens expostas no Porto estas galerias virtuais juntam ainda algumas outras séries célebres do autor, entre as quais as imagens nas quais mostra museus habitados pelos seus visitantes.

Para conhecer o vencedor de Sundance

2012-02-01T09:43:00.003Z

O grande vencedor da edição deste ano de Sundance é um estreante e a restante premiação destaca também, como de resto o faz o próprio programa do festival, a presença de novos talentos que ali têm importante espaço de exposição. Beasts of the Southern Wild, realizado por Benh Zeitlin, conta a história de um pai e uma filha, residentes numa pequena comunidade algures num lugar remoto, no delta do Mississipi. Reconhecendo no filmes algumas afinidades com o carácter espiritual de A Árvore da Vida, de Terrence Malick, uma grande distribuidora (a Fox Searchlight) já o adquiriu, sendo por isso de esperar a sua distribuição mundial. Antes mesmo de ser divulgado um trailer, ficamos com este pequeno vídeo oficial de Sundance no qual o realizador apresenta o seu filme:

"Na Cama com Madonna" em Blu-ray

2012-01-31T23:53:00.004Z

Na árvore genealógica das muitas contaminações documentário/ficção, Truth or Dare — ou In Bed with Madonna, entre nós Na Cama com Madonna — ocupa um lugar pioneiro, incontornável. Surgiu há mais de vinte anos, mais precisamente no Festival de Cannes de 1991, extra-competição: registando a Blond Ambition Tour, o realizador Alek Keshishian trabalhava a partir de um contrato tácito com Madonna, por assim dizer desafiando os limites da verdade que é possível inscrever na própria matéria cinematográfica. O lema "See the truth" (à letra: "Veja a verdade") condensa exemplarmente tal desafio — a partir do próximo dia 3 de Abril, será possível reencontrar a sofisticação de tudo isso em Blu-ray.

Oscars para quê?

2012-01-31T23:45:00.000Z

A esmagadora maioria dos discursos jornalísticos sobre os Oscars de Hollywood confunde-se com uma banal bolsa de apostas. Na prática, a crescente visibilidade mediática dos prémios que antecedem os Oscars gerou uma conjuntura perversa, estranha a qualquer gosto cinéfilo: trata-se de saber até ponto os prémios da Academia das Artes e Ciências Cinematográficas "confirmam" ou "desmentem" as distinções já atribuídas. Na prática, os filmes contam cada vez menos... Triunfa o espírito competitivo de um qualquer reality show. Ou ainda: a cultura televisiva dominante é, cada vez mais, anti-cinema.

Telenovela com muitas vírgulas

2012-01-31T23:19:00.000Z

No mundo das telenovelas a retórica é tanta, e tão primária, que até se acrescentam vírgulas para separar (?) os elementos de uma frase que deviam estar ligados ao verbo... Na campanha de Doce Tentação, além do exemplo que aqui se reproduz ("Amor que dá frutos, semeia invejas"), há também este: "O desejo escondido, é o mais apetecido".

Como alguns autores de telenovela gostam de defender a dimensão sociológica (???) do seu trabalho, só falta agora algum deles vir defender, emocionado, a integridade da língua portuguesa. Tudo é possível — mesmo se o poder (económico e mediático, numa palavra, cultural) conquistado pela telenovela reduz, drasticamente, as possibilidades do audiovisual português.

NOTA: Na imensa campanha de cartazes que sustenta esta mediocridade, há uma outra frase, esta com a vírgula no sítio certo: "As aparências enganam, o coração não". Em todo o caso, convenhamos que o nível de excelência filosófica se mantém intacto.

MDNA, aliás, Madonna

2012-01-31T01:01:00.000Z

Nos tempos primitivos da fotografia, algures em meados do século XIX, os mais poderosos encomendavam a sua imagem, atribuindo ao fotógrafo a responsabilidade de ilustrar e, num certo sentido, legitimar a sua diferença na hierarquia social: eles tinham algo — a imagem, precisamente — a que os mais pobres não podiam aceder, a não ser pela arte (dos outros).

Os tempos mudaram. E muito. No século XXI, com a proliferação de canais virtuais, qualquer um, entre os extremos do narcisismo banal e da arrogância identitária, pode expor a sua imagem como um efeito de assinatura: este é o meu corpo, diríamos, se o pudor a tanto nos autorizasse.

Resta saber se não nos perdemos nesta ilusão de dizermos que estamos onde está a nossa imagem. Madonna, hélas!, nunca se enganou nessa aventura. Da idade heróica em que "duplicava" Marilyn Monroe até ao presente irónico dos seus juvenis 53 anos (nasceu a 16 de Agosto de 1958), a eterna Material Girl sabe que a exposição envolve sempre elaboradas formas de ocultação.

Assim acontece, uma vez mais, na distanciação festiva (contradição exemplar do seu universo) da capa do novo álbum, MDNA. Reencontrando alguns talentosos cúmplices — Mert Alas & Marcus Piggott na fotografia, Giovanni Bianco no design — Madonna é, de uma só vez, um rosto reconhecível e um fantasma inacessível. Daí a admirável perversidade formal do título: ao lermos "MDNA", refazemos mentalmente a palavra "M-a-D-o-N-n-A", compreendendo, afinal, que o celebrado mundo das imagens é apenas uma variação material sobre o primado da escrita. Diz-me como me lês...

Novas danças (com velhos temperos)

2012-01-31T00:58:00.001Z

Chama-se Willy Moon, chega da Nova Zelândia e apresentou recentemente I Wanna Be Your Man, canção que cruza ecos de memórias e referências de memórias rock'n'roll dos cinquentas com linhas e formas da produção dos nossos dias. Aqui fica o teledisco.

'Música para Filmes' n'O Sétimo Continente

2012-01-31T00:58:00.000Z

Chama-se Música para Filmes e é uma nova rubrica de minha autoria no blogue O Sétimo Continente. No dia em que se assinalam os 75 anos de Philip Glass dedicamos esse espaço a um dos mais inesquecíveis dos trabalhos de Philip Glass para o grande ecrã. Em concreto a música que assinou para o filme de 2002 As Horas, de Stephen Daldry.

Podem ler o texto aqui.

Novas edições: 2 Bears, Be Strong

2012-01-31T00:57:00.000Z

2 Bears

"Be Strong"

Southern Field

3 / 5

São dois ursos, mas podiam ter sido três. Por ocasião de festas com o Greco Roman Soundsystem, um amigo sugeriu que o produtor Raf Rundell, Jo Goddard (dos Hot Chip) e Joe Mount (dos Metronomy) criassem um projeto ao qual poderiam chamar Three Bears (ou seja, os três ursos). A ideia avançou, mas sem Joe a bordo e o nome acabou reduzido para 2 Bears, desde 2009 o par tendo assinado várias atuações como DJs e remisturas, começando inclusivamente a editar música de sua autoria numa sucessão de singles e EPs que, na verdade, não chegaram para além da atenção de alguns. Já este ano Work, um novo single, deu-lhes outra visibilidade e agora a chegada do álbum coloca-os definitivamente sob os focos dos que gostam de seguir os caminhos cruzados da música de dança com os terrenos da canção. Sem a “obrigação” de corresponder a um qualquer plano de espectativas (que foi certamente elemento em conta para os Hot Chip entre Made In The Dark e One Life Stand), os 2 Bears apresentam em Be Strong um discreto manifesto de luminosidade em tempo de sombras. Assim acontece, revelando o alinhamento do álbum uma viagem, não necessariamente arrumada ou sistematizada, por referências que fazem parte das vivências da música de dança dos últimos vinte e poucos anos, de assimilações da cultura house (a linha de piano com sabor italo house em Work é irresistível, as heranças deep house em Bear Hug convivem com saboroso refrão pop) e ecos de modelos de produção de outros tempos (Ghosts & Zombies lembra a sofisticação polida da pop dançável de finais dos oitentas) às evoluções mais recentes das genéticas two step e periferias, não faltando elementos R&B e outros temperos que sugerem mesmo assim uma certa ordem de unidade entre a diversidade. No fundo, até o aparente ovni (muito ao estilo Blancmange) de Time in Mind tem razão de ser entre esta coleção acontecimentos que são como bálsamo pela alma de um tempo algo magoado no mundo real. Não há aqui um One Life Stand, muito menos um I Feel Better... Mas a coerência do alinhamento garante a Be Strong a noção de rumo que faltava ao mais recente álbum dos Hot Chip. Que daqui sigam boas sugestões na hora de arrumar as ideias para o seu sucessor, que está prometido para este ano.

O regresso de Ferris Bueller

2012-01-31T00:56:00.000Z

O poder dos apetites da nostalgia dá nisto. E, partindo de uma evocação do filme de 1986 Ferris Bueller’s Day Off, de John Hughes (estreado entre nós como O Rei dos Gazeteiros), um filme publicitário da Honda levou Matthew Broderick a revisitar, 26 anos depois a personagem que então criou. Já houve quem criticasse a superficialidade da abordagem na forma como o filme se limita a revisitar a figura de Ferris Bueller sem implicar que o tempo passou, ao ator restando assim a tarefa de, com a ajuda da maquilhagem (e bem... fazendo por esquecer uns quilitos a mais), tentar replicar o que em tempos foi... É uma opção. Assim como a de envelhecer Ferris seria outra, narrativa e visualmente mais interessante até, obrigando o exercício do reconhecimento das imagens ao assimilar de um novo contexto. Mas o certo é que desta ideia nasce um exemplo interessante (nem que pelo facto de lançar o debate) de como a memória do cinema pode ser reinventada no contexto de um filme publicitário.

O motivo para este reencontro com Ferris Bueller é uma campanha para o modelo Honda CR-V. E a ocasião, a Super Bowl (no próximo domingo, dia 5). O filme publicitário, realizado por Todd Phillips (o mesmo de A Ressaca), coloca MatThew Broderick numa sucessão de situações que evocam diretamente o filme de 1986, em desviando o ponto de partida de sua casa para um hotel, trocando as ruas de Chicago pelas de Los Angeles e, claro, o Ferrari pelo Honda. Há planos que citam claramente o filme e a sequência de imagens condensa uma história sem, contudo, nada lhe acrescentar nada senão o efeito da satisfação da memória (o efeito da nostalgia, certeiro, portanto) e a chamada de atenção para o verdadeiro protagonista desta operação: o novo carro. Enquanto ideia de cinema, falta à personagem de 2012 a verdade que o passar do tempo lhe daria. Mas enquanto foco de atenção numa mensagem a passar, o filme não falha nos objetivos de fazer o objeto que o justifica a peça verdadeiramente nova do conjunto. É publicidade, lembremo-nos. Apesar de recorrer às linguagens (e memórias) do cinema.

Estreado em 1986, O Rei dos Gazeteiros ficou registado como um dos grandes momentos da comédia americana dos oitentas. Matthew Broderick veste a pele de Ferris Bueller, que finge estar doente para faltar à escola, vivendo um dia bem diferente pelas ruas de Chicago com mais dois amigos. Com música dos Yello ou Sigue Sigue Sputnik e inesquecível cena de parada de rua ao som de Twist & Shout dos Beatles, tornou-se um clássico do seu tempo.

Imagens do novo filme publicitário da Honda.

Imagens do trailer original de Ferris Bueller’s Day Off.

Nos 75 anos de Philip Glass

2012-01-31T00:50:00.000Z

Philip Glass nasceu em Baltimore a 31 de janeiro de 1937. Feitas as contas, faz hoje 75 anos. A “festa” está marcada para mais logo, no Carnegie Hall, com um concerto pela American Composers Orchestra, dirigida por Dennis Russel Davies, naquela que será a estreia da sua Sinfonia Nº 9. No programa será ainda ouvida Lamentate, uma obra recente de Arvo Pärt. Uma gravação desta Sinfonia foi entretanto hoje lançada para venda exclusiva no iTunes.

Na verdade as festividades já começaram a 3 de janeiro, com a estreia da mesma sinfonia em Linz, na Áustria. E esta semana, em Nova Iorque, músicos como o Kronos Quartet, Foday Musa Suso ou Zack Glass (filho do compositor) juntaram-se no Poisson Rouge, em Nova Iorque, para uma noite de tributo que cruzou a música de outros nomes com a de Philip Glass. Entre as suas obras evocadas conta-se um excerto de As Horas, o mais recente Pendulum (para violino e piano) e o arranjo para cordas que Glass criou para Don’t Think Twice, It’s Alright, de Bob Dylan (a integrar no álbum da Aminstia Internacional a lançar a 6 de fereveiro).

Nova Iorque não fica contudo por aqui num 2012 que celebra os 75 anos de Philip Glass. De 23 a 26 de fevereiro, o Armoury (em Park Avenue) acolhe um programa que inclui, no primeiro dia, obras de Glass com poesia de Allen Ginsberg como Hydrogen Jukebox, a Sinfonia Nº 6 – Plutonian Ode e a estreia de Kadish, esta peça a ser interpretada pelo guitarrista Bill Frisell. O segundo dia apresenta Philip Glass e Patti Smith juntos, uma vez mais com poemas de Ginsberg. A terceira noite propõe a interpretação integral de Music In 12 Parts pelo Philip Glass Ensemble e, na quarta, ouve-se Another Look At Harmony (Part 4).

Imagens de um pequeno filme promocional do concerto desta noite no Carnegie Hall. Philip Glass fala aqui sobre o seu trabalho como compositor de sinfonias e também do facto de fazer 75 anos. Sobre a idade diz que "75 anos costumava ser uma idade avançada para um compositor mas o Eliott Carter [que nasce em 1908 e está ainda ativo] faz-me sentir como se fosse um jovem". No mesmo filme elogia ainda o talento que reconhece na nova geração de compositores.

No centenário de Jackson Pollock (4)

2012-01-31T00:46:00.000Z

'Verão: Número 9A'
(1948)

Um formato invulgar numa tela de 1948. Verão: Número 9A, 1948 mede apenas 84,5 cm de altura por 549,5 cm de largura e retoma linhas e movimentos do célebre Mural, de 1943. A obra integra a coleção da Tate Gallery, de Londres.

Pepe, Messi, a televisão e a Europa

2012-01-30T23:56:00.000Z

METROPOLIS (1927), de Fritz Lang

Num mundo de crescente subserviência do discurso político à formatação televisiva, há quem pense que uma pisadela de Pepe a Messi é um assunto para o... Parlamento Europeu!!! — este texto foi publicado no Diário de Notícias (29 Janeiro), com o título 'Na Europa com Pepe e Messi'.

O défice de reflexão da maioria da classe política europeia sobre as imagens televisivas é gritante. Os agentes políticos ignoram, literalmente, os valores e poderes televisivos, confortando-nos com os sucessos mais ou menos atribulados da digitalização do continente e do planeta. Um sintoma recente de tal estado de coisas veio do Parlamento Europeu, com dois deputados catalães (Ramon Tremosa e Raül Romeva) a mobilizarem-se para enfrentar um facto, no mínimo, decisivo para os destinos da nossa abalada Europa. A saber: a pisadela de Pepe a Lionel Messi no jogo Real Madrid-Barcelona!

Confesso que comecei por pensar que se tratava apenas de uma banal manifestação clubista, pelo que esperei pelo contraponto, ou seja, a denúncia da vergonhosa teatralidade de dor e sofrimento como um dos mais sofisticados recursos do “melhor jogador do mundo” (embora devamos reconhecer que, na arte do fingimento, o colega Mascherano possui um talento dificilmente superável). Mas não. Os deputados não estavam a brincar. De tal modo que formularam uma pergunta muito directa: “Pensa a Comissão Europeia que factos tão graves, vistos por milhões de pessoas, entre as quais crianças, devem ficar impunes?”. Mais ainda: inquietos com a “violência no desporto”, lembraram que “se Pepe não for sancionado, isso será entendido como uma acção neutra da sociedade.”

Estaríamos perante uma brilhante comédia do absurdo, não se desse o caso de depararmos, assim, com uma miséria de pensamento cujos efeitos se fazem sentir todos os dias, da cena política às esferas mediáticas. Temos mesmo uma classe política que, há décadas, assiste na mais absoluta boçalidade à degradação brutal do espaço televisivo. Por norma, o triunfo das atrocidades humanas e morais do modelo “Big Brother” (do entertainment às notícias) não suscita a mais ténue dúvida existencial. Bem pelo contrário, defende-se o funcionamento institucional da Europa como um gigantesco “Big Brother”: Pepe pisa Messi e só nos resta correr a tapar os olhos e ouvidos das nossas indefesas crianças...

Escusado será lembrar que o grau de intencionalidade de tão homérica pisadela nada tem a ver com assunto: convenhamos que a consciência de Pepe não justifica a abertura de um dossier político. O que está em causa é de outra natureza: intervenções deste teor enraízam-se numa ideologia de patético voluntarismo em que se reduz o todo social a um colectivo determinista, momento a momento vigiado pela “justiça popular” de um aparelho legislativo inquestionável (leia-se: a televisão). Sobre essa consagração abstracta de uma ordem sem rosto, vale a pena rever Metropolis (1927), de Fritz Lang, memória europeia cuja actualidade permanece. Em atenção aos mais susceptíveis, garanto que Lang não está na lista de futuras transferências para o Real Madrid.

Michael Oswald: corpos digitais

2012-01-30T21:55:00.000Z

Michael Oswald não será um prodígio estético. Podemos até considerar que o seu universo visual se esgota num imaginário new age algo desgastado e previsível. Em todo o caso, nos seus melhores momentos, as suas fotografias digitais reflectem as muitas convulsões figurativas a que estão a ser sujeitos os corpos — e, num certo sentido, a própria ideia de corpo. Vale a pena visitar o seu site, ou descobri-lo através de um portfolio publicado no blog FashionProduction.

Madonna e a imprensa

2012-01-30T20:11:00.001Z

A propósito da estreia do seu novo filme, W.E., Madonna deu uma entrevista ao The Wall Street Journal, respondendo a algumas perguntas sobre a sua leitura das personagens do Duque e da Duquesa de Windsor, sobre o seu novo disco e ainda sobre a sua relação com o que, sobre ela, se escreve na imprensa. Citação:

(...) Portanto, de facto não lê nada na imprensa sobre a sua pessoa?

Não. Ainda nem sequer li nenhuma crítica ao meu filme, e não quero ler.

Quando decidiu ignorar tudo isso?

Quando adoptei o meu filho de África e fui acusada de o raptar. Fiquei devastada com aquilo que escreveram sobre mim, basicamente acusando-me de ter feito algo de criminoso. Esse foi o meu ponto de viragem.

Actores/actrizes de 2011

2012-01-30T16:20:00.000Z

Elizabeth Olsen

Em tempos de prémios cinematográficos dados pelas mais diversas entidades, assiste-se a uma exacerbação beata das "consagrações". Dir-se-ia que o ambiente favorece a imagem fútil da corrida ao "sucesso", minimizando a simples possibilidade de sentir a vitalidade dos filmes... Vale a pena, assim, dar uma vista de olhos ao portfolio de Mario Sorrento para a revista W., celebrando uma notável galeria de actores e actrizes — o título adequado é 'Best performances'.

Brad Pitt

Rooney Mara

Efeitos colaterais (de uma banda sonora)

2012-01-30T13:39:00.001Z

O filme pode estar a milhas do que de mais interessante se tem feito por aí (há quem discorde e ainda bem, que ter gostos diferentes só enriquece uma população e a sua atitude crítica perante as coisas). Mas Drive tem um mérito que não podemos deixar de reconhecer. A sua banda sonora é notável e se já obrigou a uma reedição de um máxi de Kavinsky, agora coloca no mapa das atenções os Desire. Trio feito de dois elementos dos Chromatics, aos quais se junta a voz de Megan Louise, viram o tema Under Your Spell ser incluído na banda sonora de Drive, necessariamente cativando atenções. Agora apresentam um teledisco para Don't Call, tema do álbum II, que haviam editado em 2009 e que então tinham passado longe da atenção de muito boa gente. Aqui ficam as imagens, captadas quando Miami foi fustigada por um furacão em Outubro do ano passado.

Novas edições: Lana del Rey, Born to Die

2012-01-30T13:32:00.006Z

Lana del Rey

“Born to Die”

Polydor

4 / 5

Foi há apenas alguns meses. E ao som de Video Games e Blue Jeans a estreia de Lana del Rey era acolhida com a surpresa de quem saboreava não apenas os encantos de uma descoberta mas também aquela sensação de estar perante uma eventual next big thing. Os meses (na verdade poucos) passaram. Juntou-se a estas canções o teledisco (mais caro e sofisticado) para Born To Die. E perante a constatação de uma biografia com episódios de mudança e construção de uma persona, uma cisão afastou da legião original de seguidores alguns primeiros céticos, outros juntando-se agora que o cenário parece de iminente sucesso (que isto de conviver com o triunfo dos outros ou com aquela coisa da partilha com uma multidão daquilo que nascera como um segredo “nosso” não é de digestão fácil para alguns). Vamos então por partes. Tem pai rico? Não tem pai rico? Desde quanto esse foi argumento a favor ou contra uma carreira? Os Strokes nasceram nos bairros favorecidos de Nova Iorque. Os Ramones nem por isso. Mas são ambos nomes-chave na história rock’n’roll da cidade. A conta do papá não parece ser argumento standard... Chamava-se Lizzy Grant? Pois também David Bowie era David Jones, Bono chama-se Paul e Nick Rhodes é Nicholas Bates... Nem todos têm sorte da mãe lhes ter chamado Madonna Louise... Construir um nome é “tradição” antiga. E faz mal? OK, adiante... A música da jovem Lizzy era diferente? Também o era a de Stefanie Germanotta pré-Gaga, por exemplo. E Scott Walker começou como teen star, muito longe do que apresentou quer nos Walker Brothers ou nos seus marcantes discos a solo dos sessentas... Não é de ficarmos satisfeitos pela evolução? Não precisamos na verdade de evocar outros para escutar o caminho de segura e inteligente mudança que transformou Lizzy Grant em Lana del Rey (e convenhamos que a soma de metade do nome de Lana Turner com a evocação do modelo Ford del Rey tem mais pop appeal). Fazemo-lo apenas para mostrar como uma atitude chamada preconceito por vezes tolda as avaliações do que escutamos, vemos ou lemos. Lana del Rey não inventou, na verdade, nada que antes não tivesse sido feito antes por outros (e não quer isto dizer que a coloquemos ao nível de um Bowie ou Walker, naturalmente). Talvez o tropeção recente no Saturday Night Live mostre que há ainda fragilidades vocais a corrigir. Mas alguém se recorda daquela “fífia” constrangedora de Simon Le Bon no final de A View to a Kill, em pleno Live Aid, em 1985, já os Duran Duran eram, desde 81, um fenómeno global? Eu lembro... E se a afinação exemplar de uma Celine Dion é modelo a admirar, então não falamos do mesmo...

Mas, arrumados os argumentos exteriores ao álbum, e cabendo agora a cada um, ouvidas as canções, decidir se gosta ou nem por isso, falemos do disco de estreia de Lana del Rey (que das comparações com Lizzy Grant tratarmos com outra propriedade quando se confirmar a recentemente prometida reedição do seu álbum de estreia). Chama-se Born to Die e é, simplesmente, o primeiro “caso” de 2012. As canções que conhecíamos de 2011 são um ponto de partida. Um espaço. Mas não um template. E o que o disco mostra é que há mais por aqui que apenas uma encenação gourmet de melancolia com ares de coisa nostálgica e boa direção artística. Se caminharmos entre o que nos conta Lana del Rey o disco dá conta de quem é, do mundo e do tempo em que vive. Vem do hip hop, não do punk, canta em Blue Jeans quando revela o clima em que cresceu, essa verdade traduzindo-se nos temperos que moldam National Anthem, afinal nada mais senão a expressão de marcas do genoma do ambiente em que tomou consciência da música ao seu redor. De resto, pelos caminhos de Born to Die, e sem que tal manche a persona, há mais luz pop que a cenografia de escuridão que assombrava os cartões de visita com que a descobrimos em 2011. Se Dark Paradise, Million Dollar Man, Lucky Ones ou Summertime Sadness seguem mais de perto o “cânone” definido por Video Games e Blue Jeans, já Radio ou Lolita abrem janelas a outros ares que deixam pontas soltas para eventuais cenas dos próximos capítulos... Born to Die é pois coisa pop. Uma pop refletida, atenta a formas, capaz de suportar a construção de uma estrela com uma mão cheia de boas canções (se bem que Off To The Races ou Carmen podiam ter ficado pelo chão da sala de montagem e a menor This Is What Makes Us Girls parece algo caída, sabe-se lá de onde, para o alinhamento de outro disco que não este). Há aqui ecos da elegância sinfonista de uma Nancy Sinatra e do apelo cinematográfico de uma Julee Cruise (na etapa em que trabalhou com Angelo Badalamenti). Há escuridão, mas também brilho. Melodrama. Onde anda a verdade no meio de tudo isto? No fundo as fronteiras esbatem-se. As fronteiras entre a ficção e o real, entenda-se, tal e qual a própria sugere a dada altura em National Anthem. Não procuremos por isso aqui as “verdades” de uns Dardenne, mais as visões um David Lynch... A verdade maior é a da capacidade em fazer de uma mão cheia de canções um instante de fantasia. Não escapista, mas plástica e emocionalmente envolvente. Não o fizeram sempre, e cada qual à sua maneira, os nomes maiores da música pop? Ou temos todos de responder pela mesma agenda?

Leonard Cohen, segundo Philip Glass

2012-01-30T13:26:00.001Z

Apesar do permanente trabalho vocal que a música de Philip Glass tem vindo a conhecer nas suas muitas experiências para os palcos da ópera, há muito que não o víamos a escrever canções. Na verdade a sua obra só conhecera mesmo um ciclo de canções, que em 1986 registara no álbum Songs From Liquid Days, que assinalou não apenas um importante espaço de diálogo com figuras do universo da música popular como representou uma importante janela de comunicação com novos públicos.

Em meados da década dos zeros Philip Glass voltou a ter pela frente o desafio da criação de um ciclo de canções. De novo, face ao que propusera em Songs From Liquid Days (que tinha entre os letristas figuras como David Byrne, Suzanne Vega ou Paul Simon), surgia o fechar das atenções nos poemas de um livro de Leonard Cohen. Surge assim Book of Longing (precisamente o título do livro de Cohen), que parte de uma seleção de poemas para várias vozes, a do próprio Leonard Cohen surgindo a dados momentos, recitando algumas das palavras que escreveu.

Philip Glass começou por apresentar em palco o projeto Book of Longing, que acabaria depois por registar em disco, editado no formato de duplo CD pela Orange Mountain Music em 2007.

No centenário de Jackson Pollock (3)

2012-01-30T13:23:00.002Z

'Autumn Rhythm: 30 - 1950'
(1950)

Com o título Ritmo de Outono: Número 30 – 1950, esta é uma das telas mais célebres da obra de Jackson Pollock. E talvez o facto de estar exposta nas salas do MoMA, em Nova Iorque, contribua para o assegurar desse estatuto. Juntamente com outras obras que assinou nesse mesmo ano, são resultado de um período de alguma tranquilidade na vida do pintor, os episódios de alcoolismo regressando apenas no final desse 1950. Nesse mesmo ano o pintor tinha visto uma obra sua ser comprada por este museu, participou num protesto contra o Metropolitan Museum e esteve representado na Bienal de Veneza.

Steve Reich reescreve Radiohead

2012-01-30T13:21:00.001Z

Mais uma colaboração entre os universos da música clássica e os da cultura popular ganha forma. Steve Reich vai criar uma peça tendo por base dois temas dos Radiohead. Com o título Radiohead Rewrite, a peça vai ter como ponto de partida os temas Everything In It’s Right Place e Jigsaw Falling Into Place, ambos incluídos no alinhamento de Kid A, álbum editado no ano 2000. O interesse de Reich pela música dos Radiohead surgiu em 2011 na sequência de uma atuação de Johnny Greenwood num festival na Polónia no qual o músico dos Radiohead interpretou Electric Counterpoint, do compositor norte-americano. A estreia de Radiohead terá lugar no quadro da programação do Southbank Centre, em Londres, em 2013. Caberá à London Sinfonietta a estreia desta obra.

"O Artista": sucesso made in USA

2012-01-29T23:14:00.000Z

As repetidas consagrações de O Artista, de Michel Hazanavicius — a mais recente vem do sindicato dos realizadores americanos, isto é, a Directors Guild of America —, vão por certo gerar a tradicional avalanche de insultos contra aqueles que consideram o filme um divertimento banal, simpático na sua futilidade, retórico no seu kitsch de muitos simulacros. É uma mitologia demasiado forte que quase todos aplicam sem sequer olharem à sua volta: a "crítica" ataca os filmes que têm prémios... Enfim, cada um diverte-se com os equívocos que mais lhe agradam.

* * * * *

Lembremos, a propósito, que logo em Cannes/2011, foi possível pressentir as perversas potencialidades comerciais do filme, aliás in loco confirmadas pelo facto de O Artista ter sido adquirido pela Weinstein Company, entidade de invulgar talento de marketing.
Ao mesmo tempo, importa recordar que o impacto de O Artista nos EUA é apenas o efeito mais próximo de todo um processo económico e cultural que a França tem sabido desenvolver através de políticas cujas lógicas vêm dos tempos de Jack Lang como ministro da Cultura.
Entretanto, sendo também uma tradição difamar Hollywood e os Oscars, não deixa de ser curioso observar como, em situações deste género, subitamente tudo o que vem da América para consagrar o cinema europeu ganha valor de caução intocável.

Sócrates & Cavaco: a luta continua!

2012-01-29T18:06:00.000Z

PIET MONDRIAN
Composição com vermelho, amarelo e azul
1921

Infelizmente, o espaço televisivo continua privilegiar o fait divers em detrimento das exigências e dos valores do conhecimento. Quem perde? A inteligência de todos nós — este texto foi publicado no Diário de Notícias (27 Janeiro), com o título 'Eu agora sou "cavaquista"'.

O facto de considerar que a degradação da imagem pública de José Sócrates resultou, em parte, da demagogia argumentativa de algum jornalismo televisivo, valeu-me a acusação de perigoso “socratista”. Se esse é o preço a pagar por não aceitar a lógica de muitas mediocridades, porque não? Em todo o caso, pressinto que entrei numa crise mais dramática: estou a transformar-me num empedernido “cavaquista”.

Tudo começou com a proliferação de notícias televisivas sobre o facto de o Presidente da República ter sido “vaiado”, em Guimarães, na noite de abertura da Capital Europeia da Cultura (à qual estou ligado como programador). Quanto mais assistia à repetição ad nauseaum das respectivas imagens e sons, mais confirmava uma triste certeza: com frequência, o jornalismo passou a ser substituído pela fabricação grosseira de fogo de artifício para usar e deitar fora (nada a ver, entenda-se, com o talento de La Fura del Baus).

Acontece que, desta vez, eu estava na Praça do Toural, em Guimarães, a cerca de 20 metros das célebres “vaias” e vi (e ouvi) aquilo que faz parte do folclore: entre as cem ou duzentas pessoas que realmente podiam ver o Presidente a entrar para o seu carro, uma metade delas aplaudiu-o, enquanto algumas dezenas terão feito aquilo que alguns cidadãos gostam de fazer (assobiar), seja porque algum político vai a passar, seja porque Ronaldo falhou mais um golo (força, Cristiano, não desistas!). Aliás, ouviu-se o mesmo tipo de aplausos e assobios para Durão Barroso, mas o facto, estranhamente, não chegou às notícias. Em boa verdade, para os milhares de pessoas que estavam no Toural, um e outro evento não terão passado de uma agitação efémera, lá ao longe.

Como é possível que um fait divers como este adquira o peso e a gravidade de um facto político? Como chegámos a esta triste conjuntura em que alguma informação televisiva parece só viver em função da celebração grotesca do ruído ou da confusão? Ainda e sempre, o meu espanto redobra perante a cobardia intelectual da maioria da classe política, tanto à esquerda como à direita: porque é que os nossos políticos não enfrentam este estado de coisas como o mais prioritário dos nossos problemas culturais?

As vozes de Brahms

2012-01-29T09:17:00.001Z

Obras corais de Johannes Brahms (1833-1897) em gravações pela Orchestre des Chams Elysées e pelo Collegium Vocale Gent, dirigidas por Philippe Herreweghe e lançadas na sua própria editora: a Phi.

A ideia de criar etiquetas ligadas a um músico (ou a uma orquestra) tem caracterizado algumas das grandes opções que os espaços da música clássica têm visto nascer nos últimos anos. Se há ainda quem opte por se integrar em grandes editoras (o compositor Nico Muhly edita agora pela Decca Classics, Gustavo Dudamel é um dos rostos mais visíveis da Deutsche Grammphon), outros são os nomes que decidiram tomar os seus destinos nas suas mãos. Michael Nyman ou Philip Glass editam pelas suas próprias etiquetas. John Eliot Gardiner criou a Soli Deo Gloria. Orquestras como a London Philharmonic Orhestra ou Chicago Symphony Orchestra têm as suas próprias editoras. E em 2011 o maestro Philip Herreweghe juntou-se a estas fileiras, apresentando a Phi, etiqueta que integra o grupo Outhere (que representa também a Ricercar, a Alpha ou Aeon) e que tem como objetivo a gravação e edição dos trabalhos do maestro com a Orchestre des Champs Elysées e o Collegium Vocale Gent.

O catálogo estreou-se com uma gravação da Sinfonia Nº 4 de Mahler. Juntou depois motetes de Bach. E, como terceiro título, apresentou recentemente um conjunto de obras corais de Johannes Brahms. O alinhamento abre com um magnífico Schicksalslied Op. 54, obra de 1871 para coro e orquestra que em tudo materializa uma visão que o compositor procurou (e que foi de resto ponto de partida para um olhar diferente num ciclo de gravações da integral das sinfonias de Brahms por Gardiner). Junta depois Rhapsodie “Alt-Rhapsodie”, Op. 53; Warum ist das Licht gegeben, Op. 74/1; Begräbnisgesang für gemischten, Op. 13 e Gesang der Parzen, Op. 89. Herreweghe, profundo conhecedor da obra de Brahms assegura coerente abordagem a este conjunto de obras que registou em Varsóvia e que contou com a presença de Ann-Hallenberg (mezzo-soprano) na Rhapsodie.

Nos tempos do vinil

2012-01-29T09:13:00.003Z

Um olhar hoje por capas de discos de Philip Glass que se transformaram em peças de coleção. Todas estas obras existem hoje em gravações (estas mesmas ou outras) nos formatos de CD e download. Mas aqui recordamo-las nas gravações originais, lançadas nos tempos do vinil. A capa que abre o post recupera de resto aquele que foi o segundo disco lançado por Glass na Catham Square Productions, em 1973, juntando Music in Similar Motion a Music in Fifths.

As três outras capas representam, por ordem, o disco Solo Music (Shandar, 1975), que inclui Music in Contrary Motion e Two Pages, North Star (Virgin, 1977) e Dances 1 – 3 (Tomato Records, 1980). Os restantes lançamentos deste período já aqui foram apresentados nas últimas semanas. Foram eles Music With Changing Parts (Catham Square Productions, 1970), Music in Twelve Parts (Parts 1 & 2) (Virgin, 1974) e Einstein on The Beach (Tomato Records, 1979).

E as árvores brilharam...

2012-01-29T09:09:00.000Z

Discografia David Sylvian - 4
'Brilliant Trees' (álbum), 1984

O álbum de estreia de David Sylvian definiu novas linhas e horizontes, mas não representou necessariamente um episódio de rutura total face ao que eram os caminhos que a música dos Japan vinha a tomar (aliviando todavia a carga “oriental” que tanto havia caracterizado Tin Drum como inéditos entretanto surgidos no duplo ao vivo Oil on Canvas e na antologia Exorcising Ghosts, ambas edições já posteriores à notícia da separação do grupo). Na verdade Brilliant Trees mantém uma atenção para com o formato da canção e pela ideia de uma estrutura rítmica pronunciada, traduzindo contudo ecos de novos pólos de interesse, nomeadamente nos caminhos do jazz (presença sobretudo notória em Red Guitar), funk (escute-se Pulling Punches) ou os patamares de uma música ambiental focada na exploração de texturas e silêncios (com o belíssimo Nostalgia revelando-se assim como peça central do alinhamento).

O disco foi gravado nos estúdios Hansa, em Berlim, na reta final de 1983, com créditos de produção repartidos entre o próprio David Sylvian e Steve Nye. Entre os músicos que colaboram no disco contam-se dois ex-Japan (Steve Jansen e Richard Barbieri), Holger Czukay, Ryuichi Sakamoto, Mark Isham ou Jon Hassell. A capa mostra uma foto assinada por Yuka Fuji.

Nos 100 anos de Jackson Pollock (2)

2012-01-29T09:06:00.002Z

'Mural'
(1943/44)

Conta-se que foi criado numa noite e na manhã seguinte, perto do Natal de 1943. Era uma encomenda de Peggy Guggenheim (a filha de Solomon Guggenheim, o fundador do museu que ostenta o seu nome) e representou o primeiro trabalho de Jackson Pollock (1912-1956) pensado para ser observado de perto. “Com o Mural, Pollock, na altura pouco mais do que um artista provinciano tentando alcançar reconhecimento em Nova Iorque, foi de repente catapultado para a primeira categoria da arte contemporânea internacional”, diz Leonhard Emmerling no volume da Tachen dedicado ao pintor. A tela, com 2,47 m de altura e 6,05 m de comprimento, está na coleção do The University Of Iowa Museum of Art.

Eiko Ishioka (1939 - 2012)

2012-01-29T00:14:00.000Z

DRÁCULA (1992), Gary Oldman

Oscarizada pelo seu trabalho de concepção do guarda-roupa de Drácula (1992), de Francis Ford Coppola, Eiko Ishioka foi uma designer japonesa cujas formas exuberantes e elegantes deixaram marcas fortes no cinema, teatro, ópera, publicidade e artes gráficas — faleceu em Tóquio, no dia 21 de Janeiro, contava 72 anos.

Formada em Belas Artes e Música pela Universidade de Tóquio, Ishioka teve a sua primeira consagração internacional no Festival de Cannes, em 1985, quando a concepção cenográfica de Mishima, de Paul Schrader, lhe valeu o prémio da melhor contribuição artística (distinção partilhada com o director de fotografia e o autor da música do filme, respectivamente John Bailey e Philip Glass). No cinema, para além do emblemático Drácula, de Coppola, trabalhou diversas vezes com o realizador Tarsem Singh, em A Cela (2000), com Jennifer Lopez, Um Sonho Encantado (2006), Imortais (2011) e Mirror Mirror (2012) — este último, uma recriação da história de Branca de Neve, tem estreia internacional marcada para o mês de Março. No domínio do guarda-roupa, entre as suas criações de palco mais conhecidas incluem-se O Anel dos Nibelungos (1999), para a Ópera holandesa, a digressão "Hurricane" (2009), de Grace Jones, e Spider-Man: Turn Off the Dark (2011), encenado na Broadway por Julie Taymor, com música de Bono e The Edge. Desenhou os fatos para a organização dos Jogos Olímpicos de Pequim, em 2008, e assinou mesmo a realização de um teledisco: o fabuloso Cocoon, de Björk, do álbum Vespertine (2001). Miles Davis entregou-lhe a concepção gráfica do seu álbum Tutu (1986), tendo como base fotografias de Irving Penn.

MISHIMA (1985)

TUTU (1986), foto de Irving Penn

COCOON (2002), capa do single

Grace Jones (digressão 2009)

Spider-Man: Turn off the Dark (Broadway, 2011)

>>> Obituário no New York Times.

No centenário de Jackson Pollock

2012-01-28T19:57:00.001Z

Foto: N.G.

Há 23 anos, quando publicava a crítica ao álbum de estreia dos Stone Roses, um semanário britânico (não me recordo se o NME ou o Melody Maker) apresentava por título 'Never Mind The Pollocks'. Jogo de sentidos, evocando por um lado o clássico álbum de estreia dos Sex Pistiols, por outro citando o nome do pintor norte-americano Jackson Pollock, cuja técnica de pintura por "salpicos" era claramente referência para a obra de John Squire (um elemento da banda) que servia então de ilustração à capa do disco. Esta é apenas uma entre as muitas situações em que o nome de Pollock e a marca tão pessoal da sua pintura surgem assimiladas por outras formas e outros tempos. Fazendo uma busca rápida na Internet vemos, por exemplo, alguém que explica que resolveu criar uma decoração para bolos. Ou descobrimos uma aplicação que permite criar uma imagem ao estilo "faça-você-mesmo o seu Pollock"...

Um dos nomes maiores da pintura do século XX, Jackson Pollock nasceu a 28 de janeiro de 1912, há precisamente cem anos. Assinalamos o seu centenário com estas imagens. E ao longo desta semana evocaremos algumas das suas obras de referência.

O sexo de J. Edgar Hoover

2012-01-28T18:27:00.000Z

Com J. Edgar, sobre o primeiro director do FBI, Clint Eastwood prossegue a sua viagem através do Sonho Americano (pesadelos incluídos) — este texto foi publicado no Diário de Notícias (26 Janeiro), com o título 'Histórias íntimas da Mãe América'.

O notável argumento de J. Edgar, assinado por Dustin Lance Black, obriga a acção a um fascinante ziguezague de mais de quatro décadas, colocando um problema eminentemente orgânico: como modelar o corpo do actor? Clint Eastwood escolheu a solução mais arriscada: não há mudança de actores e Leonardo DiCaprio compõe J. Edgar Hoover desde a juventude até à decadência final, o mesmo acontecendo, aliás, com Armie Hammer e Naomi Watts. Na prática, tal obriga os actores a usar uma evidente sobrecarga de caracterização. E a dúvida que fica é esta: como seria o filme se se tivesse optado por um mais discreto “envelhecimento” das personagens, evitando exibir o artifício de modo tão ostensivo?

Não é uma dúvida banal, uma vez que J. Edgar é menos um filme sobre os bastidores do FBI e mais, muitíssimo mais, uma saga intimista sobre a sexualidade recalcada do protagonista. Não se trata de “revelar” a homossexualidade de Hoover. Convenhamos que o olhar de Eastwood nada tem a ver com a estupidez militante da imprensa tablóide: o que ele filma é o apagamento da própria instância sexual, como se Hoover vivesse num universo alternativo em que a neutralidade que quer impor à sua vida sexual apenas encontra um espelho adequado no desejo de ordem (política e social) que o inspira.

Daí a subtil reconfiguração do Sonho Americano. Em J. Edgar, a utopia da ordem surge totalmente sustentada pelo poder radical das mulheres: a mãe (Judi Dench), sinalizando ao jovem Hoover a sexualidade que ele “não deve” assumir, e a secretária Helen Gandy (Watts) garantindo a inacessibilidade e, por fim, a destruição dos seus arquivos. Compreende-se a frieza temática a que Eastwood chegou: a Mãe América devora os seus filhos. Consequência cruel: zero nomeações para os Oscars.

Na morte de Theo Angelopoulos

2012-01-28T16:12:00.000Z

A VIAGEM DOS ARTISTAS (1975)

Com a morte de Theo Angelopoulos, aos 76 anos, no dia 24 de Janeiro, na sequência do atropleamento por uma moto, desaparece uma personalidade decisiva para a projecção internacional do cinema grego, em particular ao longo da década de 70. O seu conhecimento público terá sido consolidado sobretudo através de dois títulos distinguidos em Cannes, O Olhar de Ulisses (1995) e A Eternidade e um Dia (1998), respectivamente com o Grande Prémio do festival e a Palma de Ouro. Em qualquer caso, creio que é um filme como A Viagem dos Artistas (1975) que mais e melhor condensa o universo formal de Angelopoulos, em particular através do seu empenho em criar uma narrativa em que espaço e tempo surgem transfigurados pelos insólitos poderes do plano-sequência, inscrevendo na continuidade do plano a descontinuidade de eventos e datas. De certa maneira, na sequência de autores como Luchino Visconti ou David Lean, Angelopoulos foi um dos primeiros a pressentir a necessidade de repensar as coordenadas clássicas do chamado cinema histórico, por assim dizer, reconstituindo as alianças narrativas entre lugar e cena, cenografia e reconstituição.

>>> Site oficial de Theo Angelopoulos.

>>> Theo Angelopoulos no Senses of Cinema.

>>> Obituário no New York Times.

Heaven 17, 1983

2012-01-28T08:10:00.002Z

Num momento em que chega ao mercado uma nova antologia do trio de Sheffield, recordamos hoje We Live So Fast, um dos singles extraídos do álbum The Luxury Gap, o segundo para os Heaven 17. Pop electrónica britânica por um dos nomes centrais da geração que a colocou no mapa das atenções entre finais dos anos 70 e inícios dos oitentas.

Entrevistas de arquivo: Philip Glass, 2007

2012-01-28T08:09:00.000Z

Mais uma entrevista de arquivo com Philip Glass. Esta corresponde à transcrição integral de uma conversa com Philip Glass numa entrevista publicada no DN em 2007 por ocasião de mais uma deslocação do compositor a Lisboa, dessa feita para um recital de piano.

Em tempos, numa entrevista para um dos quatro documentários de uma série sobre novos compositores americanos, descreveu o seu público como estando dividido entre os que gostavam da sua música porque era clássica. E os que dela gostavam porque não era clássica…
Gosto desse paradoxo. E tem ver com a minha história pessoal, nos dias em que vivia em Baltimore. O meu pai tinha uma pequena loja de discos, muito diferente das que existem hoje. Parecia uma padaria... Trabalhei na loja a partir dos 12 anos, e então escutei toda a música que por lá havia, fosse música hillbilly (ainda não se lhe chamava country & western nessa altura), fosse clássica, contemporânea ou jazz. Tudo me era familiar. Nunca achei que umas músicas fossem melhores que outras. Havia compositores talentosos em todas as formas musicais. Assim como havia gente sem talento em todas elas, também! Gostava de música bela, fosse de Bernstein, Boluez, Eliot Carter ou... Paul Simon! O que me importava mais era já a qualidade da invenção e a espontaneidade da expressão. E isso encontramos em todas as formas de música. Estudei anos depois em Chicago, onde ouvi, ao vivo, Charlie Parker, John Coltrane, Sonny Rollins, mais tarde Ornette Coleman e Pharaoh Sanders... Eu não era improvisador, mas ouvia e conhecia aquela música! Admirava-a e respeitava-a. Posso dizer que o meu gosto sempre foi muito vasto e que nunca criei barreiras. Tentei sempre olhar sobre essas barreiras.

Há já muitos anos que a sua música se afastou do que se considerou ser “minimalista”. Mas esse é ainda o rótulo que, invariavelmente, é aplicado por muitos a quase tudo o que faz...
É uma descrição que já não serve o que faço há algum tempo. Colou-se a mim por um tempo, é verdade. Quando eu era menino, sempre que se falava do Debussy ou Ravel usava-se a palavra “impressionistas”. Já não se ouve dizê-lo... Por isso essas coisas desaparecem. Não é relevante. Por exemplo, n’O Corvo Branco, cuja música data de 1992, há aspetos minimalistas, mas sobretudo elementos mais líricos. Estas coisas passam com o tempo. E não me preocupam.

A sua recente oitava sinfonia desafiou os seus próprios cânones. Revelou novos sentidos numa demanda pessoal. É importante essa noção de desafio colocado a si mesmo ao compor?
Não costumo desafiar quem me ouve, mas sempre a mim mesmo. Quem tem um trabalho criativo deve desafiar as suas limitações. E eu estou a tentar desenvolver a minha linguagem e a minha visão musical. E para cada desafio coloco à minha frente expectativas distintas.

Segue-se, como mandam os números, a nona, que foi a última sinfonia de vários compositores. Beethoven, Mahler (que nunca terminou a décima), Bruckner (que a deixou, inclusivamente, incompleta), Dvorák…Teme a eventual “maldição” da nona?
Bom, essa “maldição” não travou Shostakovich! (risos) Mas já tenho um plano! Vou tentar que me encomendem a nova e a décima ao mesmo tempo. E farei ambas no mesmo ano. Gostaria de chegar à 12ª sinfonia... As últimas de Shostakovich são muito interessantes.

Em Lisboa apresentou uma série de peças para piano. O piano é ainda o melhor amigo do compositor?
Creio que é. Mas seu eu quem o diz. E creio que o digo porque tenho a idade que tenho. Se tivesse uns 30 anos, estaria a trabalhar com computadores. O piano ainda é o meu instrumento prioritário em termos de composição. Mas não faço quaisquer objecções ao computador. O computador nunca o será um instrumento com o peso do piano para mim, porque a curva de tempo exigida para aprender uma nova tecnologia teria de me afastar da composição e da interpretação por uns tempos. É preciso tempo para aprender a usar qualquer nova tecnologia. Mas é também verdade que, especialmente no trabalho para cinema, acabo por usar já, de certa maneira, os computadores. Tenho muitos computadores no estúdio e reconheço que são máquinas muito úteis. Não tenho nada contra eles… Mas o tempo que ainda puder gastar a fazer música e a tocá-la é para mim mais importante que aquele que teria de gastar para aprender qualquer nova tecnologia.

Fez 70 anos em Janeiro, mas na altura não os comemorou publicamente com discos ou concertos...
Não tinha tempo... Estava muito ocupado (risos)... Mas, pronto, o que quer que faça este ano é uma celebração... Vou estrear o Book Of Longing, baseado em poemas do Leonard Cohen... Mas podia estrear essa obra no dia dos meus anos ou num outro dia qualquer. Não quero gastar tempo com festas se tenho outras coisas para fazer. E divirto-me muito mais a escrever nova música que a celebrar a antiga. Em Lisboa toquei música antiga. E é verdade que nos últimos anos tenho regressado por vezes a peças que já escrevi há bastante tempo. Mas tenho outras maneiras de as escutar hoje, como se estivesse a aprender de cada nova vez que as escuto.

Há uma nova geração de músicos, de um Rufus Wainwright a um Owen Palett, que o admira e chega mesmo a citá-lo. Como lida com estes jovens admiradores?
O que fazem é tremendamente elogiante! Eu não nasci em Nova Iorque, mas mudei-me para a cidade aos 19 anos para estudar música e porque queria estar no espaço musicalmente mais ativo que existisse. E Nova Iorque ainda é assim. Conheço muitos jovens compositores e alguns trabalham inclusivamente no meu estúdio. Interessa-me o que eles fazem, mesmo que eles não se interessam pelo que faço.

Além da sua obra, a sua postura profissional é também referida como novo paradigma...
Creio que ao longo da minha vida desenvolvi maneiras diferentes de trabalhar como compositor. Tive de aprender a ganhar a vida trabalhando tão ativamente como performer, assim como enquanto compositor. Para pessoas como um Rufus Wainwright e tantos outros da sua geração, esta atitude interessa-lhes tanto como a própria música. Muitos jovens compositores interessam-se pela música para cinema e também pela música para publicidade. Quando era jovem, fazer música para publicidade era considerado um trabalho menor... E de evitar...

Mas não o evitou!
Tinha de ganhar a vida! Para ser franco não tinha escolha. E houve compositores que o fizeram durante anos a fio. Nunca me envergonhou. Até porque me ensinou a perceber o que era o grande público! E neste mundo, isso é útil. Hoje, os compositores mais jovens interessam-se por todas as formas de música, da experimental à soul... A ideia do metier do compositor envolve hoje uma enorme variedade de práticas.

Nos últimos 25 anos, o seu trabalho para o cinema levou-o a outros e mais vastos públicos. É um veículo interessante?
Comecei a fazer música para cinema em projetos underground, como o Koyaanisqatsi, do Godfrey Reggio. Os primeiros sete ou oito filmes em que trabalhei foram produções independentes, quase sem distribuição, para pequenas plateias. Mas nestes 25 anos, muitos desses filmes viraram casos de culto, e alguns são hoje muito conhecidos. Aos poucos comecei a trabalhar em filmes mais comerciais. O primeiro foi o Mishima. E mais tarde o Kundun, de Martin Scorsese.

Recentemente trabalhou em blockbusters.
O primeiro em que trabalhei foi As Horas. Recebi uma nomeação para os Oscar. É interessante, porque para ser aceite em Los Angeles foi-me mais difícil ser aceite como compositor para cinema que como compositor de música “séria”. Não acreditavam que pessoas como eu poderiam fazer música para cinema! Interessa-me muito a associação da música à imagem, tanto no cinema como no teatro, na ópera e dança. O ser ou não ser comercial não é critério para mim. Interessa-me sobretudo o talento do realizador ou o trabalho da fotografia. Nos últimos tempos fiz a música d’O Ilusionista e o Diário de Um Escândalo. Foram filmes vistos por pessoas que nunca iriam a um concerto meu. E agora sabem o meu nome! Ao dar concertos pelo mundo, há muitas pessoas que aparecem porque me descobriram em bandas sonoras!

Chegou a estar pensado para fazer a banda sonora de The Inner Life Of Martin Frost, de Paul Auster...
É verdade. Mas não aconteceu. E quando as coisas pareciam indicar nesse sentido, já estava com a agenda cheia com o trabalho para o novo de Woody Allen e um outro projeto de colaboração com Leonard Cohen que ainda este ano devo gravar. Estou também a preparar uma ópera para a San Francisco Opera. Quando o Paul Auster conseguiu o orçamento para podermos trabalhar, já estava atulhado em trabalho! Mas há muito que falamos em colaborar. E um dia teremos de o fazer. Tenho pena que não tenha sido agora, porque gosto da história

É diferente fazer música para filmes antigos? Falo em concreto de trabalhos que fez sobre La Belle et la Bête de Jean Cocteau ou Drácula, de Todd Browning.
O que há de muito interessante ao trabalhar em filmes antigos é o facto do realizador e o produtor não estarem por perto. E aí funcionamos como compositores, da mesma forma como se estivéssemos a trabalhar numa ópera. Em Hollywood, e até mesmo em projetos independentes, nunca é assim. O Godfrey Regio considerava-me co-autor, pelo que nesses filmes [Koyaanisqatsi, Powwaqatsi e Naqoyqatsi] discutimos tudo juntos. Mas é caso raro no cinema. Quando fiz o La Belle Et La Bête obtive autorização para o que entendesse. Com o Dracula foi diferente. Fui contratado pela MGM, que queria reeditar o filme [de 1931]. Fiz a música e eles aceitaram… Nunca tive de falar com o Todd Browning nem o Bela Lugosi… Nem podia! (risos) Em muitos filmes atuais, os atores principias por vezes chegam a ter direito a ouvir e comentar a música que fazemos… Há gente muito talentosa a trabalhar no cinema. Mas fazer um filme por vezes implica certas limitações artísticas. Não diria que chegam para me desencorajar. Tento fazer o melhor que posso, respeitando sempre as condições. E por vezes alcançam-se resultados belos. Creio que isso aconteceu n’As Horas.

Aí, o realizador Stephen Daldry quase parece ter pensado o filme para servir a música. Parece mesmo uma ópera…
E há em Hollywood quem pense que essa é uma ideia muito má!... Há em Hollywood quem diga que a minha música nem é de cinema, porque tem presença a mais… Eu acho que é antes uma vantagem. E a verdade é todos os anos chegam uns telefonemas e consigo sempre trabalho num ou outro filme.

Passaram nove anos sobre a estreia da ópera O Corvo Branco, que foi apenas apresentada em Lisboa e Madrid, e ainda não houve qualquer edição (em disco ou DVD) da mesma. Está nos seus planos gravá-la?
O que se passa é que, hoje, a gravação de óperas já não é financiada por editoras. Mas eu continuo a gravá-las. E recentemente concluí até a gravação de The Voyage, que foi composta antes de O Corvo Branco. Ou seja, esperei 14 anos para o fazer… Quero começar a gravar O Corvo Branco brevemente. Primeiro as partes instrumentais e só depois os cantores. Vou precisar de uns dois anos antes de o poder fazer. Mas essa é uma ópera que considero como importante entre as que já fiz. E uma das razões pelas quais a quero gravar é o facto de quem nunca a viu poder querer ouvi-la. Ao saber da sua gravação, a notícia vai circular e a ópera deixará de ser um segredo. E espero que, depois, possa haver mais produções de O Corvo Branco.

Ter uma editora própria (a Orange Mountain Music) ajuda-o, assim, a fazer o que outras editoras hoje não podem fazer?
O negócio da música mudou. As editoras começam a enfrentar finalmente a necessidade de ter a música acessível por donwload, o que já fazemos há algum tempo. Vendo mais discos pela minha editora que pela Warner ou Sony. A grande vantagem é que, ao colocar um disco no meu catálogo, ele fica ali para sempre. Assim posso pensar num ciclo de vida mais longo para os discos (e as suas vendas). Noutras editoras, quando os discos não vendem, são descatalogados e desaparecem. Na minha visão, de longo prazo, posso pensar em termos de várias gerações. A mudança para companhias mais pequenas e independentes traz benefícios para o ouvinte e o compositor. Hoje, muita da minha música está disponível na Amazon ou no iTunes. E penso sempre assim ao editar um novo disco. Faço ainda CDs, porque ainda os posso vender. Mas penso prioritariamente nos downloads…

Através da sua própria editora tem colocado no mercado uma série de gravações antigas. Ou seja, pode colocar o seu arquivo pessoal, aos poucos, em disco…
Começámos agora a editar uma série de gravações a que chamámos “archival recordings” [gravações de arquivo], com peças que fui gravando nos anos 80 e 90, que vamos colocar no mercado. Nos anos 90 reparei que tinha as fitas de muitas gravações da minha música e resolvi começar a editá-las. São discos fáceis de fazer, porque já tenho as gravações. E podem interessar a quem goste de música. Em poucos anos de atividade, a editora chegou aos 40 títulos. Espero poder duplicar esse número.

Mantém relacionamentos com outras editoras?
Recentemente falei com o diretor da Nonesuch, de quem sou amigo. Ele disse-me que para cada artista só pode gravar editar um disco por ano. Ao passo que eu posso, por mim, lançar uns seis ou sete! Ele riu-se e disse não o podia fazer, mas que compreendia o que eu estava a fazer. Estou a tentar criar um legado musical, que Quero preservar para as gentes do futuro. Para mim é muito importante poder atuar desta maneira.

Há anos que a Nonesuch fala da eventual edição de uma caixa de gravações suas...
Vão lançar uma caixa de dez CD. Estamos a trabalhar nela neste momento. Temos uma boa relação, apesar dos objetivos das nossas editoras serem diferentes! Na minha editora sou o compositor, mas também o publisher.

Este ano uma das suas edições na OMM, o The Witches Of Venice, surge de uma gravação de arquivo sua…
Aí está mais um exemplo de algo que veio do meu arquivo pessoal. Essa gravação estava feita há uns dez anos! Foi feita para um evento em Milão, no Scala… E só recentemente reparámos que eu era o dono da gravação e que tinha as fitas comigo! A série “archival recordings”, que agora iniciei, também creio que vai revelar coisas interessantes. De há uns anos para cá comecei a juntar as fitas e a guardá-las. Agora dou-lhes uso.

A caminho do primeiro álbum

2012-01-28T07:57:00.004Z

Discografia David Sylvian - 3
'Red Guitar' (single) 1984

Com o anuncio da separação oficial dos Japan David Sylvian colocou o projeto de criação e gravação de um primeiro álbum em nome próprio na sua agenda de prioridades. O disco, que editaria no Verão de 1984 com o título Brilliant Trees, teve como cartão de visita um single que chamou atenção para o patamar no qual o músico agora se colocava. Sentem-se heranças do carácter desafiante da estrutura rítmica explorada na reta final do trabalho dos Japan, mas há desde logo um clima de inesperado (e discreto) aroma jazzístico (sobretudo definido ao piano) que caracteriza a canção. Red Guitar não repetiu os resultados comerciais que os singles dos Japan posteriores a Ghosts alcançaram, mas lançou de voz firme e segura uma nova etapa na sua carreira.

Imagens do teledisco que acompanhou o lançamento de Red Guitar. A realização é do fotografo holandês Anton Corbijn, que então dava os primeiros passos entre terrenos pop/rock britânicos.

Os amigos de Janelle

2012-01-27T09:59:00.001Z

Chamam-se Fun e com eles colabora, neste We Are Young, Janelle Monae. Têm um álbum a chegar em finais de Fevereiro. Pelo que este teledisco serve de aperitivo para o que deles poderemos esperar. A realização é assinada por Marc Klasfeld.

Noovas edições: Heaven 17, Play To Win: The Very Best of Heaven 17

2012-01-27T09:54:00.004Z

Heaven 17

"Play To Win - The Very Best of Heaven 17"

Music Club Deluxe
3 / 5

Tudo começou em Sheffield, em finais dos anos 70. E quando Glenn Gregory se mostrou indisponível para formar uma banda, os outros dois músicos – Ian Craig Marsh e Martyn Ware – chamaram Phil Oakey... e nasciam os Human League. As visões não eram unânimes entre si e quando a rutura chegou Oakey ficou com o nome (e a banda) e Marsh e Ware formaram, agora com Gregory, um trio para o qual chamaram o nome de uma banda ficcional referida nas páginas de A Laranja Mecânica de Anthony Burgess, ao mesmo tempo formando a companhia de produção British Electric Foundation (B.E.F. nas iniciais que fariam história em vários discos. Juntando as ferramentas electrónicas (a base da sua dieta de trabalho) a uma ideia de canção pop interessada em captar também heranças dos universos da soul e funk, os Heaven 17 apresentaram em inícios dos anos 80 dois álbuns que contribuíram com algumas das grandes canções para a afirmação de uma nova geração de criadores pop, afirmando-se também como uma voz com consciência política claramente afastada do rumo mais conservador que o Reino Unido então tomava. Penthouse and Pavement (1981), dividido entre uma face ritmicamente insistente e uma outra, mais interessada em explorar ambientes e cenografias, é inclusivamente um dos álbuns de referência do seu tempo, tendo dado a conhecer canções como Geisha Boys and Temple Girls, At The Height of The Fighting ou Play To Win. The Luxury Gap (1983) mantém caminhos semelhantes, de linas talvez menos angulosas, incluindo canções como Temptation, We Live So Fast ou Come Live With Me. Porém, e como aconteceu a tantos nomes da sua geração, a vontade em caminhar para lá do sentido de contenção que caracterizara os seus primeiros registos, resultou numa vontade em alargar horizontes, os discos seguintes mostrando passos maiores que a perna e, consequentemente, uma descaracterização do som e progressiva diluição de rumos. Se How Men Are, em 1984, já não sabe bem para onde ir, daí em diante a coisa ainda perde mais sentido e acaba inconsequente. Entram em pausa em finais dos oitentas, regressam a meio dos noventas, afastam-se outra vez e reentram em cena a meio da década dos zeros. Apesar de terem editado álbuns de originais em 1996 e 2005 a sua música passa a viver do apetite de nostalgia dos que recordam, sobretudo, os singles de 1981 a 83... Esta nova antologia recorda a história de fio a pavio (ignorando contudo a etapa Bigger Than America, em meados dos noventas). Na verdade a evocação mostra grandes canções na primeira metade do alinhamento (de 33 temas). Mas a segunda serve apenas a ilustração de um percurso sem Norte, apenas para consumo dos admiradores mais dedicados. Boa capa, de facto. Mas em 2012, e querendo ajudar a contar a história da pop electrónica dos oitentas, fazia mais falta um tratamento com extras e som restaurado (como se fez já para Penthouse and Pavement) para o álbum de 1983 que uma tão extensa antologia (sendo que best ofs é coisa que não falta na discografia dos Heaven 17).

Nos 40 anos dos Roxy Music

2012-01-27T09:48:00.001Z

Os 40 anos dos Roxy Music vão ser assinalados de várias formas ao longo de 2012. Uma das primeiras ações será a edição de uma integral da sua obra numa caixa que juntará 8 CD (os álbuns de originais, todos com extras) e quatro DVDs. Os DVDs não correspondem a arquivos vídeo, mas a versões de alta definição do som dos oito álbuns. Com o título Roxy Music: The Complete Studio Recordings 1972-1982, a caixa tem edição marcada para 2 de Abril.

Podem ver aqui o alinhamento completo desta caixa.

Ecos que chegam de Sundance (3)

2012-01-27T09:45:00.004Z

Continuamos a olhar para o que vai sendo visto por Sundance. Hoje três documentários de produção norte-americana. The Queen Of Vesrsailles (primeira foto), de Laurent Greenfield, é um dos títulos de que mais se tem falado entre os que integram a programação do festival. O filme segue o caminho de uma família milionária desde o momento em que resolve construir uma gigantesca mansão inspirada pelo palácio de Versalhes e a forma como a crise económica se abate depois sobre os protagonistas. Também no centro de muitas atenções, Me at The Zoo (segunda imagem), de Valerie Veatch e Chris Mourkabel, é a história de vida de Chris Crocker, o rapaz que chamou milhões de views ao seu vídeo no YouTube no qual, em lágrimas, gritava “leave Britney Alone...”. Marina Abramovic – The Artist is Present (terceira imagem), de Mathew Akers, é um olhar sobre a artista que tem ajudado a redefinir os rumos da performance art nos últimos 40 anos.

Uma ideia (em doze partes)

2012-01-27T09:43:00.000Z

Mês Philip Glass - 27

Era na origem uma ideia de expressão de harmonia, juntando 12 linhas. Daí as 12 partes. Na verdade onze instrumentos e uma voz... Daí Music in 12 Parts... Mas em 1971, ao mostrar a ideia a um amigo ele perguntou pelas restantes onze partes. Glass gostou do mal entendido e tomou-o como um desafio... E nos três anos seguintes compôs mais onde peças seguindo os mesmos princípios, conferindo assim mais que um sentido ao título da obra.

Music in 12 Parts representa, juntamente com Einstein on The Beach, o ponto final da relação da música de Philip Glass com as ideias que até então haviam dominado a caracterização da sua música. Pelo que representa assim (um pouco como o fez Music For 18 Musicians de Steve Reich), uma das obras que definem a definitiva afirmação do minimalismo. Daí em diante, e sem prescindir de princípios, a sua música iniciaria outras demandas e caminharia rumo a outros horizontes.

Uma primeira gravação de Music in 12 Parts surge em 1974 num LP editado pela Virgin que junta as partes 1 e 2 da obra. Uma caixa, com a primeira integral do ciclo, é lançada (também pela Virgin) em 1988 nos formatos de vinil e CD. Em 1996 a Nonesuch editou uma outra versão numa caixa de três CD e, mais recentemente, a Orange Mountain Music disponibilizou, apenas para venda digital, uma gravação de todo o ciclo.

Um conto de Inverno (com sombras)

2012-01-26T08:57:00.004Z

Kate Bush apresentou esta semana um teledisco, criado usando uma técnica de animação por sombras, para o tema Eider Falls at Lake Tahoe, do seu recente 50 Words For Snow, álbum editado em finais de 2011. Aqui ficam as imagens.

Discos Pe(r)didos: The Legendary Pink Dots, The Maria Dimension

2012-01-26T08:53:00.002Z

The Legendary Pink Dots

"The Maria Dimension"

Play It Again Sam

(1991)

Pode uma banda ter mais de 40 álbuns editados e morar longe das atenções de muitos, até mesmo os que acompanham de perto os caminhos da música dita alternativa (ou indie ou como lhe quiserem chamar)? Claro que sim... E um exemplo dessa existência hoje afastada do gume dos entusiasmos dos festivais, dos blogues e redes sociais (dos jornais e revistas da especialidade idem idem, aspas aspas) mora nos Legendary Pink Dots. Há razões para esta quase invisibilidade, certamente. Mas nada disso impede a banda (ainda ativa) de manter uma fiel legião de admiradores por várias latitudes e manter um bom ritmo de edições e atuações ao vivo. Mas houve tempos em que não foi assim. E entre a segunda metade dos oitentas e inícios dos noventas, os Legendary Pink Dots eram referencia seguida e nome de peso no panorama da música que, afastada das correntes mainstream, definia o seu rumo evocando formas de outros tempos, recontextualizando-as numa linguagem atual e, podemos dizer mesmo, visionária e entusiasmante. A expressão “progressivo” é muitas vezes aplicada à sua música, talvez pelo carácter algo livre com o qual algumas das canções evolem, entre si revelando-se um universo instrumental que vai para lá dos ingredientes mais habituais e convencionais. Mais preciso é contudo o apontar presença de heranças do psicadelismo (o nome de Syd Barrett sempre foi dos que mais vezes surgiu entre listagens de eventuais fontes de inspiração). E o álbum The Maria Dimension, de 1991, revela-se mesmo o exemplo maior de uma forma de olhar (e filtrar) os ecos caleidoscópicos do psicadelismo sob leituras que traduzem não apenas os efeitos do tempo vivido pela música desde finais dos anos 60 e a presença de novas ferramentas em cena, nomeadamente as electrónicas. Com discografia desde 1981, os Legendary Pink Dots atingem em The Maria Dimension o seu momento maior. A voz de Edward Ka-Spel é presença dramaticamente frágil mas fulcral no jogo de tonalidades que a complexa rede de sons cria em torno das canções. Electrónicas, guitarras, clarinetes, saxofones, uma lira, glockenspiel e outros elementos juntam-se num cenário onde dominam cores vibrantes e texturas que sugerem formas vivas em movimento. Como a restante obra em disco dos Legendary Pink Dots, The Maria Dimension é um tesouro escondido na memória dos noventas... A sua (re)descoberta vale a pena.

Ecos que chegam de Sundance (2)

2012-01-26T08:48:00.004Z

Mais três exemplos de títulos revelados na presente edição do Festival de Sundance. Simon Killer (primeira imagem) é o novo filme de Antonio Campos, o realizador de Afterschool. A ação leva-nos a Paris, acompanhando Simon que, concluídos os estudos na universidade, terminou também uma relação de cinco anos. É um estranho numa terra estranha. Conhece aí uma jovem prostituta com quem se envolve. Dos dois o tempo mostra-nos que quem guarda mais segredos é ele mesmo. Safety Not Guaranteed (segunda imagem), de Colin Trevorrow, conta a aventura de três profissionais que são enviados pela revista onde trabalham para investigar o anuncio de alguém que pede companhia para uma viagem no tempo... Nobody Walks (terceira imagem), de Ry Russo-Young, acompanha o mundo em volta de Martine, uma jovem de 23 anos a quem o pai prometeu ajuda para a conclusão dos trabalhos de som num filme seu. Chegada à Califórnia a sua presença acorda contudo energias adormecidas entre aqueles a quem se junta.

Nos 30 anos dos Talk Talk

2012-01-26T08:46:00.004Z

Os Talk Talk vão estar no centro das atenções nos próximos tempos. Num momento em que se assinalam os 30 anos da edição do seu primeiro disco, um livro e um álbum de tributo estão em agenda. Com data de lançamento marcada para 28 de Maio, o álbum Spirit of Talk Talk vai apresentar versões de temas da banda assinadas por nomes como os de Alan Wilder (acompanhado por Sarah Worden dos My Brightest Diamond), Jason Lytle (ex-Grandaddy), The Cientele, Patrick Wilson (dos Weezer) ou os White Lies.

Também durante a primavera será lançado um livro que, com o mesmo título, recolherá os trabalhos gráficos que vimos nas capas dos discos da banda, as letras das suas canções e textos assinados por figuras que definem os Talk Talk como uma importante fonte de inspiração.

Do cinema para a ópera

2012-01-26T08:44:00.006Z

Mês Philip Glass - 26

O cinema encontrou muito cedo um espaço relevante na obra de Philip Glass. Em Paris, em meados dos anos 60, foi ao trabalhar na banda sonora de Chappaqua que conheceu Ravi Shankar e, desse encontro, emergiu a visão que moldaria a geração da sua própria música. Trabalhou depois regularmente em música para cinema a partir de finais dos anos 70, com exemplos notáveis em bandas sonoras como as de Koyaanisqaatsi (1983, de Godfrey Reggio), Mishima (Paul Schrader, 1985) ou The Thn Blue Line (Erroll Morris, 1988). Nos anos 90 teve, contudo, uma ideia diferente. E que tal encarar o cinema como ponto de partida para a criação de uma obra? Ou seja, em vez de se limitar a juntar algo a uma peça que conta com a sua música como parte do seu corpo, que tal de um filme partir antes para a criação de uma obra musical que não o serve, antes tem valor independente por si mesma?

Foi assim que entendeu uma trilogia de óperas que criou tendo por base três filmes do realizador, pintor e escritor francês Jean Cocteau. Foram elas Orphée, La Belle et La Bête e Les Enfants Terribles, em cada uma encontrando uma forma muito particular de abordar os filmes como ponto de partida para ideias e concretizações sempre diferentes. Em Orphée usou a história. Em Les Enfants Terribles recuou ao livro que esteve na base do filme. E em La Belle et la Bête foi mais longe, criando uma ópera que se ajustava à projeção síncrona do filme, as próprias vozes dos cantores ajustando-se aos movimentos dos lábios dos cantores.

La Belle et La Bête, além deste esforço de rigor na gestão do tempo e do espaço musical, é também um reflexo da busca de uma dimensão mais lírica na sua linguagem e, portanto, um marco importante na sua obra. A ópera teve edição em disco pela Nonesuch em 1995. Mais tarde foi lançada uma versão do filme de Cocteau em DVD com a ópera como canal áudio extra.

O rapaz do capuz negro

2012-01-25T10:02:00.002Z

Ele chama-se Michael Hadreas, mas edita sob o nome Perfume Genius. Há dois anos o seu álbum de estreia foi uma das grandes revelações de 2010. Agora vem novo disco a caminho (sai em Fevereiro). Hood é o cartão de visita e surge acompanhado por um teledisco assinado por Winston H. Case, no qual Michael contracena com Arpad Miklos. Aqui ficam as imagens.

Novas edições: The Big Pink, Future This

2012-01-25T09:58:00.000Z

The Big Pink

“Future This”

4 AD Records

2 / 5

Quando o filão esgota, as minas fecham. Não faz sentido manter rotinas de escavação e tratamento de rochas que, sabem os geólogos à partida, não vão revelar mais minério (pelo menos em quantidade economicamente rentável, que é como se entende se uma mina deve ou não ser explorada). Pois também o filão da revisitação do viço da canção pós-punk e o de um certo rock animado a vitaminas electro, é coisa exausta e há muito sem minério à vista. Mas há quem insista. E, como escutamos no segundo álbum dos The Big Pink, o que resulta no fim, e depois de todo o trabalho que a criação de um disco naturalmente envolve, é uma mão cheia de praticamente nada. Quando se apresentaram, há uns quase quatro anos, chamando na verdade atenções com o single Velvet (já em 2009) já este era um filão cansado, a vertigem e angulosidade projetadas na canção justificando todavia o foco de atenções que o grupo captou. O álbum de estreia, A Brief History Of Love, editado pouco depois, mostrava logo que Velvet era episódio algo solitário num espaço com poucas outras ideias do mesmo calibre... E, três anos depois, Future This em tudo confirma esta visão. Guitarras e electrónicas em diálogo semelhante, atmosferas densas, canções de alma tensa, fulgor rítmico assegurado (uma produção cuidada garante a solidez da junção dos ingredientes)... Mas faltam ideias para as canções que, na verdade, pouco mais parecem que sucessivas repetições de mais do mesmo, ocasionalmente abrindo a janela a ecos dos oitentas (como em Lose Your Mind, onde um dispensável solo de guitarra estraga a pintura). Estão cá os elementos épicos, os temperos. Os mais nostálgicos dos outros tempos talvez aqui encontrem o que gostam na música do nosso tempo. Mas uma ideia de presente (muito menos de futuro) é coisa que não mora por aqui.

Ecos que chegam de Sundance (1)

2012-01-25T09:54:00.002Z

Apesar de algo distante (acontece numa pequena cidade do Utah, EUA) e pouco mediatizado por estes lados, a verdade é que o Festival de Sundance é dos que mais filmes lança entre aqueles que o ano cinematográfico presta depois grande atenção. No campeonato do cinema independente (e suas periferias), naturalmente.

Entre os filmes de ficção de produção norte-americana que fazem o cartaz da edição deste ano do festival conta-se, por exemplo, The Comedy (primeira imagems). Assinado por Rick Alverson, o filme observa o questionar de valores em volta de um homem cuja vida não conheceu dificuldades no momento em que herda o que era do seu pai. The End of Love (segunda imagem), de Mark Webber, acompanha as mudanças na vida de um ator, a braços com uma filha de dois anos, no momento em que esta perde a mãe. O próprio Mark Webber, Shannyn e Michael Cera destacam-se entre o elenco. Paul Dano é depois o protagonista de For Ellen (terceira imagem), filme de So Yong Kim que nos dá conta da luta de um músico pela custódia da sua filha.

O rato Mickey (e os Joy Division)

2012-01-25T09:51:00.004Z

Causou alguma sensação a T-shirt que a Disney lançou baseada na memória do grafismo que recordamos da capa de Unknown Pleasures, dos Joy Division, cruzando-a com a silhueta do rato Mickey. A MTV falou com Peter Hook, que declinou qualquer ligação à criação desta T-Shirt, demonstrando contudo que em nada a ideia o incomodou... Os restantes ex-membros dos Joy Disvion não quiseram comentar, mas também deixaram claro que não tiveram qualquer relação com a T-shirt...

Aqui fica a imagem da capa de Unknown Pleasures (versão CD). Editado em 1979, este foi o álbum de estreia dos Joy Division (que o tempo transformou numa referencia do pós-punk), hoje recordado como um clássico. O grafismo foi uma criação de Peter Saville, designer de resto ligado à história da própria Factory Records, a editora que lançou os Joy Division.

Entenda-se que esta não é a primeira vez que Unknown Pleasures estimula ideias que vão além da mera estampagem da imagem da capa em T-shirts de fundo negro. Estas três outras variações são apenas alguns exemplos da forma como uma imagem icónica ganhou lugar em peças de roupa e calçado.

Música de dança

2012-01-25T09:36:00.001Z

Mês Philip Glass - 25

A relação de Philip Glass com a dança ganhou expressão desde que a sua música começou a passar pelos palcos. Em finais dos anos 70 o álbum Dances 1 & 3 registava inclusivamente em disco duas peças criadas para o Ensemble e destinadas a acompanhar coreografias. São já muitas as ocasiões em que a sua música estimulou o trabalho de coreógrafos e dançarinos. Mas se há momento maior na história da sua relação com o mundo da dança esse aconteceu em In The Upper Room, criação de Twyla Tharp para música de Philip Glass.

Criada em meados dos anos 80 a coreografia parte de uma série de composições expressamente criadas por Philip Glass para o efeito. Criada para os recursos instrumentais que o ensemble então conhecia, a música apresenta-se numa sucessão de composições que, unidas, sugerem uma ideia de ciclo e assim se completam.

A primeira edição da música de In The Upper Room chegou, em 1987, no álbum Dance Pieces que, no lado A, recolhia cinco das nove partes da obra criada por Glass para a coreografia. No lado B apresentavam-se elementos de Glass Pieces, uma outra coreografia (esta criada por Jerome Robbins), que na verdade recolhia elementos de Glassworks e de Akhnaten. Uma gravação integral de In The Upper Room surgiu apenas em 2009, em lançamento pela Orange Mountain Music.

Oscars: Scorsese está, Fincher não...

2012-01-24T23:47:00.002Z

A Invenção de Hugo, de Martin Scorsese, e O Artista, de Michel Hazanavicius, são os filmes com maior número de nomeações para a 84ª edição dos Oscars de Hollywood (cerimónia a 26 de Fevereiro), respectivamente em onze e dez categorias. São também dois dos nove títulos nomeados para o Oscar de melhor filme do ano (entre parêntesis os respectivos produtores):

* O ARTISTA (Thomas Langmann), de Michel Hazanavicius (+)

* OS DESCENDENTES (Jim Burke, Alexander Payne e Jim Taylor), de Alexander Payne (+)

* EXTREMAMENTE ALTO, INCRIVELMENTE PERTO (Scott Rudin), de Stephen Daldry

* AS SERVIÇAIS (Brunson Green, Chris Columbus e Michael Barnathan), de Tate Taylor

* A INVENÇÃO DE HUGO (Graham King e Martin Scorsese), de Martin Scorsese (+)

* MEIA-NOITE EM PARIS (Letty Aronson e Stephen Tenenbaum), de Woody Allen (+)

* MONEYBALL - JOGADA DE RISCO (Michael De Luca, Rachael Horovitz e Brad Pitt), de Bennett Miller

* A ÁRVORE DA VIDA (nomeados a anunciar), de Terrence Malick (+)

* CAVALO DE GUERRA (Steven Spielberg e Kathleen Kennedy), de Steven Spielberg

Os cineastas assinalados (+) repartem as nomeações na categoria de melhor realização. A lista completa de nomeados pode ser consultada no site oficial da Academia, por categoria ou por filme.

J. L.: Na prolongada crise de audiências (televisivas) para a cerimónia dos Oscars, que factores poderiam ser corrigidos? Por certo, os que decorrem de alguma estabilidade na sistematização das escolhas. Assim, depois de considerar que cinco títulos para melhor filme era pouco, a Academia passou para dez e este ano optou por... nove. Faltaram votos... Na prática, ainda que involuntariamente, sugere-se que a celebração de "mais" filmes esbarra com o reconhecimento de "menos" filmes para celebrar. Isto para já não falarmos do silêncio a que é sujeita a experiência histórica, técnica e formalmente decisiva, de As Aventuras de Tintin - O Segredo do Licorne, de Steven Spielberg — como é possível que a Academia ignore o vanguardismo de Spielberg, não o incluindo nos nomeados para melhor filme de animação? Será que no ano do seu Tintin, a consagração irá para O Gato das Botas? Enfim, Martin Scorsese, com a sua admirável experiência em 3D, A Invenção de Hugo, está presente. Mas David Fincher ficou de fora: a sofisticação criativa também se castiga? Ou há quem só veja os efeitos especiais quando algum super-herói caminha na companhia de duas explosões por segundo?

N. G.: Há poucos dias, nos Globos de Ouro, a adaptação das Aventuras de Tintin por Steven Spileberg teve justo reconhecimento como Melhor Filme de Animação. Goste-se ou não do filme brada contudo o silêncio com que o filme é encarado nas nomeações para a mesma categoria, agora, nos Óscares (onde o filme apenas concorre para Melhor Banda Sonora). Contraste curioso com Cavalo de Guerra, o outro filme do mesmo realizador, que parte com cinco nomeações. Será reação a uma aposta essencialmente europeia pelo realizador americano?... Que dizer depois da magra dieta de duas canções apenas na respetiva categoria? Que as outras não prestavam? Ou que o que não serve é mesmo o critério com que a seleção aqui é feita? Recorde-se que, nos Globos de Ouro, Masterpiece, de Madonna, foi outra justificada vitória. Salva-se o panorama com aquela que foi a falha maior dos Globos de Ouro (na verdade coisa não devidamente resolvida também por aqui): as três nomeações para A Árvore da Vida, de Malick, que assim concorre para Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Fotografia. Num mundo justo não só venceria estas categorias como deveria ter nomeações para Melhor Atriz (Jessica Chastain), Melhor Montagem (como falha aqui a Academia!), sem esquecer os prémios técnicos na montagem e mistura de som... Mas aqui, se calhar, faltam as bombnas e as explosões e os monstros para parecer que o som é mesmo feito a premiar... Enfim...

Temos banda (dizem eles)

2012-01-24T08:59:00.000Z

Chamam-se We Have Band e têm novo disco prestes a ser lançado. Como aperitivo apresentam o teledisco que acompanha a canção Where Are Your People? Aqui ficam as imagens.

Nos 30 anos de Sylvian a solo

2012-01-24T08:54:00.002Z

David Sylvian assinala em 2012 os 30 anos de carreira a solo. A sua vida na música remonta a meados dos anos 70 e os seus primeiros discos chegaram em 1977, mas sempre a bordo dos Japan. É em 1982 que se estreia a solo (ainda integrando então os Japan) num single conjunto com Ryuichi Sakamoto. Em tempo de marcar este aniversário, uma nova antologia é editada, juntando essencialmente os temas que foram editados em single, a estes juntando alguns outros (não esquecendo importantes colaborações) e até mesmo um inédito. A Victim of Stars (1982-2012) é editado no formato de CD duplo a 27 de Fevereiro. Aqui fica o alinhamento completo:

CD1: Ghosts (Remix), Bamboo Houses, Bamboo Music, Forbidden Colours, Red Guitar, The Ink In The Well, Pulling Punches, Taking The Veil, Silver Moon, Let The Happiness In, Orpheus, Waterfront, Pop Song, Blackwater, Every Colour You Are e Heartbeat (Tainai Kaiki II).

CD2: Jean The Birdman, Alphabet Angel, I Surrender, Darkest Dreaming, A Fire In The Forest, The Only Daughter, Late Night Shopping, Wonderful World, The Banality Of Evil, Darkest Birds, Snow White in Appalachia, Small Metal Gods, I Should Not Dare, Manafon e Where’s Your Gravity? (inédito)

Novas edições: François & The Atlas Mountains E Volo Love

2012-01-24T08:52:00.002Z

François and the Atlas Mountains

“E Volo Love”

Domino Records

3 / 5

As trocas nunca foram coisa lá muito equilibrada entre a música que cruza o canal da mancha. E, apresar de uma relação protecionista que a música popular francesa sempre exerceu sobre si mesma, mais vezes houve nomes ingleses a fazer carreira com visibilidade em França que o cenário contrário. Ali chegaram ecos de Gainsbourg e, mais recentemente, os representantes das novas gerações de genética electrónica, dos Air aos Daft Punk e cercanias... Talvez mais um ou outro fora destes caminhos, mas não muitos mais... Pois com François and The Atlas Mountains a coisa pelo menos deu já direito a alguma exposição mediática (nem que pelo facto de serem editados por uma etiqueta brit). Acontece que, e para baralhar o cenário, François and The Atlas Mountains (que a Domino apresenta como a sua primeira banda francesa), na verdade é um grupo essencialmente constituído por franceses, mas com morada em Bristol (no outro lado do Canal da Mancha, portanto)... São a expressão de um dos caminhos na obra de François Marry que, desde 2003, já editou cinco álbuns a solo e outros tantos por esta sua banda. E Volo Love é na verdade a sua primeira edição numa etiqueta que lhes pode dar outra visibilidade, com uma música mais atenta a referências pop feitas com guitarras (e aqui podemos lembrar as memórias de alguns discos de Etienne Daho ou de Bill Pritchard, um inglês que fez sobretudo carreira em França). Esses ecos moram nas entrelinhas de canções elegantes, simples e pouco maquilhadas (ora cantadas em francês, ora em inglês), pontualmente revelando ecos de sabores africanos e, na essência, revela sinais de ligação a alguma pop essencialmente acústica e tranquila que sempre tem morado na música popular francesa, embora sem grande visibilidade exterior. E Volo Love não é o disco que vai mudar esse cenário. Mas pela mediatização que parte da nova morada encontrada numa editora inglesa de sólido perfil indie, poderá fazer da música de François and The Atlas Mountains uma chamada de atenção para outros caminhos pop (menos electrónicos) que também habitam as canções que vamos escutando em discos criados por músicos franceses.

Uma história do nosso tempo

2012-01-24T08:44:00.000Z

Venceu o prémio da Academia Francesa. É um livro curto, muito curto. Baseado na história (real) de um homem que, sem saber, teve uma inquilina escondida em sua casa durante largos meses.

Na origem uma história verdadeira que chegou aos jornais deste lado do mundo. Durante um ano um homem japonês – funcionário de um gabinete de meteorologia – tinha partilhado, sem o saber, a sua casa com uma mulher que ali vivera escondida, usando os espaços durante o dia, fechando-se num armário de uma sala pouco usada de noite... É daqui que parte o francês Éric Faye que, em Nagasáqui, relata uma história que tem estes factos como ponto de partida (e impressionante ligação com uma realidade que mais parece coisa de ficção). É um texto curto (nem sequer chega às 100 páginas). Começa por nos dar a conhecer o mundo de um celibatário na casa dos cinquenta, a vida fazendo-se num pêndulo entre casa e trabalho com poucas variações. O aparente desaparecimento de comida, a ideia de que a arrumação com que deixara a casa de manhã não correspondia ao que via à chegada, à noite, levantaram suspeitas. Compra uma webcam. Espia a sua própria casa. E quando vê um vulto tudo faz sentido. É uma mulher, talvez pouco mais velha que ele... E está em sua casa... Nas páginas finais lemos a perspectiva da intrusa. E da soma dos dois relatos fica um retrato de vidas do nosso tempo. De solidão. De precariedade. De rumos perdidos.

O terceiro retrato

2012-01-24T08:42:00.001Z

Mês Philip Glass - 24
'Akhnaten' (1984)

Três retratos de três figuras que, pela sua visão, mudaram o mundo. Einstein na ciência, Gandhi na política, Akenaton na religião. Foram estes os três rostos das óperas-retrato que Philip Glass criou entre meados de 70 e a primeira metade dos anos 80. Foram as suas três primeiras óperas, a cada uma surgindo novos dados e formas, com as três o compositor abrindo espaço àquele que se afirmaria como um dos caminhos centrais da sua obra.

Depois de Einstein on The Beach (1976) e Satyagraha (1980, com Gandhi como figura central), Akhnaten completou a trilogia em 1984 com aquela que representou a que era até então a mais lírica das abordagens de Glass ao espaço da ópera. Tal como nos dois retratos anteriores a criação do libreto teve em conta o valor histórico da figura e de textos (são usadas, por exemplo, cartas e decretos que datam do reinado do faraó de quem se fala). E, depois de uma ópera cantada através essencialmente do enunciar de números e sílabas, e de uma outra em sânscrito, esta juntava o egípcio arcaico ao inglês (nas partes lidas). Pelas características do espaço da sala onde foi estreada (em Estugarda, em 1984), Glass optou por não usa violinos, o que conferiu ao tom final da música uma atmosfera mais grave.

Akhnaten teve estreia em disco em 1987 numa gravação lançada (tal como as duas óperas anteriores) em vinil e CD pela CBS Masterworks. Desde então a mesma gravação teve novo lançamento com outra capa. O tempo fez desta ópera uma das que mais produções tem merecido entre a obra de Glass.

George Clooney: uma viagem emocional

2012-01-23T16:01:00.000Z

A tradição melodramática está viva e recomenda-se: eis o saldo mais evidente do novo e magnífico filme assinado por Alexander Payne — este texto foi publicado no Diário de Notícias (19 Janeiro), com o título 'Regras para enfrentar a verdade'.

Muitas vezes, os melodramas caminham em direcção a uma ruptura: um elemento crítico, eventualmente catastrófico, manifesta-se, pondo à prova o espaço familiar e as suas relações internas. A narrativa evolui como uma demonstração mais ou menos nostálgica: até que ponto os protagonistas saberão repor a ordem que conhecemos no início?

O argumento de Os Descendentes experimenta uma variação que, não sendo original (lembremos a herança admirável dos filmes de Joseph L. Mankiewicz, em particular A Condessa Descalça, de 1954), é sempre surpreendente: quando o filme arranca, algo de trágico já está consumado. Logo na introdução, sabemos que a existência de Matt King, um advogado sediado no Hawai, está irremediavelmente marcada pela situação da mulher: Elizabeth teve um acidente num barco de recreio e está em coma. Perdido nas lides familiares e, em particular, na relação com as duas filhas, Matt formula perante o corpo inerte de Elizabeth uma súplica angustiada: que ela acorde para resolverem os problemas acumulados por uma relação cada vez mais distante.

Este é um cinema que vive, em tudo e por tudo, da dádiva dos actores. Veja-se a composição central de George Clooney e o modo como ele próprio sabe distanciar-se de qualquer cliché que lhe queiram colar. E registe-se a presença visceral de Shailene Woodley (a filha mais velha), por certo uma grande actriz em formação.

Alexander Payne, cineasta de filmes como Election (1999) e Sideways (2004), filma a viagem emocional de Matt como um doloroso reencontro com tudo aquilo que ele quis esquecer ou ocultar. É esse, afinal, o tema fulcral destes universos melodramáticos: a existência (ou não) de regras para enfrentar a verdade dos factos e das relações, a meio caminho entre a intimidade e as trocas sociais.

Novas edições: Kavinsky, Nightcall

2012-01-23T15:47:00.001Z

Kavinsky

"Nightcall"

Republic of Music

3 / 5

O que parece por vezes acaba mesmo por ser... É o que podemos dizer do francês Vincent Belorgey que, na hora de fazer discos, assina antes como Kavinsky. Andou pela estrada ao lado de nomes como os Daft Punk, Justice ou The Rapture e tem discos editados desde meados da década dos zeros. A memória de bandas sonoras com tempero a sintetizadores que recordamos dos anos 80 (de Harold Faltermeyer a Giorgio Moroder e tantos outros que encontravam caminhos para teclas em oposição às soluções para orquestra até então empregues em grande parte das produções para o grande ecrã e mesmo televisão) mora nas entrelinhas de algumas das suas ideias. E tudo parece ter feito sentido quando Nightcall, originalmente editado em 2010, surgiu como banda sonora para os créditos de Drive. De resto, esta revelar-se-ia apenas uma das várias boas surpresas de uma das mais cativantes bandas sonoras de 2011, à partitura original de Cliff Martinez juntando-se ainda contribuições de nomes como Desire, os Chromatics ou College (ft. Electric Youth, no irresistível A Real Hero). A presença do single de Kavinsky em Drive deu de repente visibilidade maior ao músico francês. E antes mesmo de nos dar a conhecer um eventual novo episódio na sua discografia, esta semana assinala-se a reedição do máxi (em vinil) que tem Nightcall como tema central. O tema surge, tal como a capa do disco o sugere, numa descendência directa de registos de teclados que fizeram escola nos oitentas e sublinha o tom de desencanto para fim de noite que os Chromatics tão bem têm ajudado a (re)definir. A canção serve assim de novo cartão de visita a um nome que está já longe de ser um estreante mas que, com a visibilidade que Drive lhe deu, tem encontrado o patamar para novo desafio. Um álbum, entenda-se.

Como vê televisão?

2012-01-23T15:36:00.001Z

Esta semana lançamos um debate que, em tempo de entrada da televisão digital terrestre nos nossos hábitos de consumo faz sentido. Como vê hoje em dia os programas de televisão?

Num televisor clássico
Num televisior digital
Nos sites dos canais televisivos
Através de downloads
Através das redes sociais
Outros meios

Em registo de ficção-científica

2012-01-23T15:23:00.005Z

A música de Philip Glass conviveu desde cedo com as imagens. E se o cinema representou uma natural expressão de diálogos entre a sua visão e as imagens projetadas num ecrã, a proposta de uma obra multimédia foi desafio que imediatamente lhe agradou também desde logo.

Descrito pelo próprio Philip Glass como um drama de ficção científica, 1000 Airplanes On The Roof é uma peça em um ato com texto de David Henry Wang e projeções visuais criadas por Jerome Smith. Esta obra (há quem lhe chama ópera, há quem a entenda antes como um exemplo de teatro musical contemporâneo) envolve encontros com extra-terrestres e resulta de uma encomenda do Festival de Donau, do American Music Theater Festival e da autarquia de Berlim Ocidental. Teve contudo estreia num hangar do aeroporto de Viena, em 1988, com Linda Rondstat e direção de Michael Riesman.

1000 Airplanes on The Roof teve edição em disco em 1989 em registo pelo Philip Glass Ensemble (que sublinha com precisão e rigor a partitura essencialmente pensada para teclados electrónicos), novamente com a voz de Linda Rondstat (que em 1986 colaborara em Songs From Liquid Days).

Nicolas Jaar hoje no Lux

2012-01-23T15:14:00.001Z

Foi um dos nomes incontornáveis da banda sonora de 2011, autor de Space Is Only Noise, um dos álbuns que agora nos ajudam a contar a história do ano passado. Hoje o norte-americano Nicolas Jaar está de regresso a Lisboa com concerto marcado para depois das 22.00 horas no Lux.

Bernard Herrmann (antes do cinema)

2012-01-22T11:22:00.000Z

A Chandos (que nos últimos anos tem editado várias obras de Nino Rota exteriores ao seu trabalho para cinema) apresenta neste disco a cantata Moby Dick e a Sinfonietta, de Bernard Herrmann, obras dos anos 30, anteriores às suas primeiras experiências para o grande ecrã.

Ao escutarmos o nome de Bernard Herrmann é quase inevitável que o associemos ao cinema, tão marcante que foi o trabalho que o compositor registou com vários realizadores – sobretudo Alfred Hitchcock, para quem assinou bandas sonoras hoje com estatuto de “clássicos” como A Intriga Internacional ou Psico – desde que, em 1940, Orson Welles o convidou para compor a música para O Mundo a Seus Pés. Tinham já trabalhado juntos em produções de teatro radiofónico, Herrmann tendo então o pólo central do seu trabalho junto da orquestra da CBS que servia sobretudo essas mesmas funções. Filho de emigrantes russos, Herrmann nasceu em Nova Iorque e cedo encontrou na música o seu principal interesse. Arranjava maneira de assistir aos ensaios no Carnegie Hall e na Public Library na 5ª Avenida consultava as partituras das obras daqueles que mais admirava, sobretudo Charles Ives, o “pai” da música americana. Nos livros encontrava outro dos destinos do seu tempo, em Moby Dick, o romance de 1851 de Hermann Melville, descobrindo uma das histórias mais marcantes entre as que leu nesse período. O tempo fez com que esses dois caminhos se cruzassem. O da música. O do livro de Melville. E em finais dos anos 30, ainda o cinema não morava entre os seus horizontes profissionais, Herrmann lançou mãos à obra: ia criar uma adaptação de Moby Dick.

Começou por ter uma ópera em mente mas, das reuniões de trabalho com William Clark, que escreveria o libreto, nasceu a ideia de criar antes uma cantata. Visitaram ambos a região no Massachussets que inspirara o texto original de Melville e em 1938, dois anos depois da primeira ideia, uma cantata para vozes masculinas estava terminada, sendo estreada algum tempo depois por John Barbirolli, frente à New York Philharmonic (estávamos Abril de 1940). Entre a plateia de uma das poucas apresentações públicas que a cantata então conheceu estava o (então) jovem compositor britânico Benjamin Britten (que pouco depois encontraria num cenário entre pescadores o caminho para Peter Grimes, uma das suas mais aclamadas óperas). Outra referência musical mora directamente na partitura de Moby Dick: uma dedicatória a Charles Ives, cuja herança de certa forma habita entre os caminhos por onde segue esta música onde, todavia, Herrmann recorre a soluções dramáticas quer escutadas na tradição da música de palco quer encontradas na escrita com medula narrativa que então criava para as produções radiofónicas.

Esta presente edição da Chandos, com interpretação pela Danish National Symphony Orchestra, dirigida por Michael Schonwandt, junta a Moby Dick a peça orquestral composta entre 1935 e 36 a que Herrmann simplesmente chamou Sinfonietta. Contemporânea do mesmo período de trabalho na rádio, a Sinfonietta revela contudo uma pontual atenção para os caminhos que a música tomara entre os seguidores de Schoenberg (que depois não teriam grande expressão na sua obra posterior). Esta gravação corresponde à estreia em disco da versão original da Sinfonietta que Hermann revisitou por volta de 1960 quando trabalhava em Psico e que transformou em 1975 quando preparava um projeto de gravações da sua música para concertos.

Com esta gravação a Chandos abre importante janela de (re)descoberta para a obra que Herrmann criou para lá do grande ecrã. Se a ideia da editora é a de seguir o modelo de lançamentos através dos quais nos últimos anos nos deu a conhecer o mundo da escrita sinfónica e concertante de Nino Rota, vale a pena estarmos atentos às cenas dos próximos capítulos...

Entre Mishima e Oshima

2012-01-22T11:16:00.001Z

Discografia David Sylvian - 2
'Forbidden Colours' (single), 1983
com Ryuichi Sakamoto

O segundo single a solo de David Sylvian nasceu novamente de uma colaboração com o japonês Ryuichi Sakamoto. A este Nagisa Oshima havia pedido a banda sonora para o filme Feliz Natal Mr Lawrence, que contava com o próprio Sakamoto no elenco (onde encontrávamos também um outro músico: David Bowie).

Com música de Sakamoto e letra de Sylvian, Forbidden Colours (título encontrado no romance de Mishima que no Brasil teve já tradução para português como Cores Proibidas) é a canção que escutamos com os créditos finais do filme. Parte de uma melodia que Sakamoto decompõe e utiliza depois em outros instantes da banda sonora, mas que aqui surge em forma definitiva no corpo de uma canção delicada que cruza ecos de geografia japonesa com um lirismo que vinca o carácter dramático da sequência final do filme. O single apresenta a canção na mesma versão que escutamos na banda sonora e junta no lado B The Seed and The Sower (e, na versão máxi, o tema-extra Last Regrets). Forbidden Colours deu a David Sylvian a sua melhor performance extra-Japan na tabela de singles no Reino Unido, atingindo o número 16 e mantendo-se em lista durante 8 semanas.

Imagens do teledisco que acompanhou o lançamento de Forbidden Colours. Junta imagens do filme a outras, em estúdio, com o cantor.

Glass: um retrato em três partes

2012-01-22T11:12:00.001Z

Três documentários sobre Philip Glass. Um dos anos 80, realizado por Peter Greenaway. Os outros dois datam já do século XXI. Em conjunto dão-nos uma visão de uma figura maior da música do nosso tempo.

E começamos em 1983. Foi através deste documentário que, pela primeira vez, vi a figura de Philip Glass. Tinha escutado nessa semana um disco seu quando a RTP2 apresentou o episódio da série Four American Composers, de Peter Greenaway, que lhe era dedicado (os outros três sendo John Cage, Meredith Monk e Robert Ashley). O filme centra-se numa atuação do Philip Glass Ensemble com programa dividido entre excertos de Einstein on The Beach e Glassworks, juntando ainda Music in Similar Motion. Ao longo da atuação escutamos ainda vários momentos de entrevistas entrevistas na qual o compositor contextualiza a sua música e recorda como foram os seus primeiros anos de trabalho com o ensemble e a forma como as pessoas foram reagindo à sua música. Os próprios músicos do ensemble apresentam ainda a sua relação com a música de Glass. Na reta final do filme Glass descreve o aparente paradoxo que define, no fundo, o poder que a sua música tem de cruzar gostos e visões: “Há quem goste porque é barulhenta, é quem goste porque é rápida, há quem goste porque é muito clássica, há quem goste porque não é clássica, há quem goste porque soa a música indie e quem goste porque acha que não soa a música indie... Tem tudo a ver com a idade de cada um e com o que cada pessoa traz à música. O certo é que o desenvolvimento da música popular nos últimos dez anos foi muito importante para nós. E quando falo em nós refiro-me ao ensemble”, diz o compositor.

De 2005 data Looking Glass, de Eric Darmon. Já editado em DVD, o filme segue uma lógica algo convencional, juntando imagens de arquivo (de Einstein On The Beach) a outras de produções mais recentes (como por exemplo Akhnaten), tomando como medula central do olhar sobre o compositor um conjunto de entrevistas feitas em redor dos espaços onde vive o seu dia a dia. Da sala de trabalho em sua casa a momentos de gravação em estúdio (para uma banda sonora) ou trabalhos de bastidores para concertos ou mesmo uma entrevista na rádio, o filme procura o retrato do compositor. Consegue dar-nos uma ideia sobre quem é, de onde vem a sua música e o que conquistou. Mas fica aquém da visão mais próxima e humana que Scott Hicks depois alcançaria naquele que é, até hoje, o melhor documentário sobre Philip Glass.

Entre os filmes dedicados à música de Philip Glass tem natural destaque o absolutamente encantador Glass: A Portrait of Philip in Twelve Parts, de Scott Hicks. Trata-se de um olhar que cruza os espaços de trabalho com os que fazem a vida pessoal do compositor, daqueles que vivem ao seu redor e das ideias que o animam. Em 2009, quando aqui apresentei o filme dizia: “Scott Hicks acompanhou Philip Glass durante 18 meses. Visitou o seu escritório de trabalho em casa, explicando a sua mulher que aquela aparente desarrumação é a sua arrumação. Vemo-lo depois nos Looking Glass Studios, outro dos seus espaços de labor diário em Nova Iorque, em sessão de trabalho com Nico Muhly. Mais tarde fala de trabalho e de espiritualidades enquanto prepara pizzas para a família e amigos na sua casa de férias. Acompanhamo-lo em ensaios de uma ópera na Alemanha e de um recital a solo na Austrália… Com ele entramos pela sala onde Woody Allen fazia a montagem de Cassandra’s Dream. Martin Scorsese, Errol Morris e Godfrey Reggio falam da sua relação com o cinema. E regressamos ao espaço familiar, entre os filhos mais novos e o mais velho, entre as histórias do presente e algumas memórias que ajudam a contar esta história. Glass: A Portrait Of Philip In Twelve Parts é um filme que nos revela um espaço privado sem nos dar nunca a sensação de estarmos a ser intrusos. Tranquilo e bem humorado, Philip Glass aceita a presença da curiosidade da câmara. As suas palavras vão lançando o texto no contexto. E quando lhe perguntam qual será o segredo para o que já atingiu, responde sem pausa: levantar cedo todos os dias e trabalhar”. Outra das grandes respostas de Glass surge, logo no início do filme, quando comenta o facto de haver quem não goste da sua música. Ao que diz: “Há tanta música no mundo, não têm de gostar da minha. Há Mozart, há os Beatles, oiçam outra coisa... Têm a minha bênção... Oiçam outra coisa... Não quero saber...”. Na mouche!

Imagens do trailer de Glass: a Portrait of Philip in Twelve Parts.

O neo-feminismo de David Fincher

2012-01-21T18:20:00.000Z

Rooney Mara

David Fincher é um cineasta do concreto, sempre seduzido pela abstracção das formas: Millennium 1 - Os Homens que Odeiam as Mulheres é a uma nova e eloquente ilustração da sua visão — este texto foi publicado no Diário de Notícias (18 Janeiro), com o título 'Aventura do concreto e do abstrato'.

Afinal de contas, que acontece nos filmes de David Fincher? Digamos que a fama conquistada com o magnífico Seven (1995) terá deixado uma herança equívoca: Fincher seria um manipulador da nossa proverbial inocência, prolongando até ao limite do sustentável o modelo do “mistério-até-ao-fim”.

Face ao vertiginoso Millennium 1 – Os Homens que Odeiam as Mulheres, importa tentar ultrapassar tal caracterização do seu trabalho. Desde logo, pela razão muito básica que está expressa no título do best-seller de Stieg Larsson: este é um objecto de um neo-feminismo, obstinado e radical, em que já não se trata tanto de celebrar uma determinada identidade feminina, como de expor a devastadora crueldade de um mundo organizado a partir de uma violência primordialmente masculina (e há todo um subtexto, também ele radical e perturbante, que remete essa violência para o imaginário nazi).

Além do mais, deparamos com a obsessiva deambulação labiríntica que constitui a mais forte assinatura de Fincher. Tal como na rede de bizarras implicações de Clube de Combate (1999) ou na rede, ela própria, de A Rede Social (2010), o cineasta coloca em cena um desejo de verdade que contém componentes do policial mas que, a pouco e pouco, se vai transfigurando numa demanda de identidade(s) em que todas as certezas, desde a transparência da história às relações sexuais, são pacientemente questionadas.

Daí a estranha beleza de Millennium 1: por um lado, há nele uma urgência face ao concreto do nosso mundo que lhe confere a dimensão de parábola sobre a persistência do Mal e o fim de todos os romantismos; por outro lado, vivemos uma aventura tocada pela mais pura abstracção formal. É tempo de acreditarmos que Howard Hawks tem, finalmente, um herdeiro moderno.

Viver e morrer em televisão

2012-01-21T14:55:00.000Z

O Grande C, com Laura Linney, é uma magnífica série que lida com o cancro, e a nitidez da morte, sem nunca ceder à demagogia "existencial" de muitos programas televisivos — este texto foi publicado no Diário de Notícias (20 Janeiro).

Não sei se o leitor partilha o meu ponto de vista, mas considero que, em alguns programas televisivos, em particular os que convocam as pessoas para falar da sua vida privada, se ultrapassou há muito a fronteira do pudor e do respeito pela humanidade de cada um. Considero mesmo que tais programas promovem uma cultura da mais pura obscenidade, reduzindo a existência individual a uma grosseira montra pública onde o recato e a intimidade não têm qualquer valor.

A vida de cada um? Sim, a vida, mas não só: também a morte. Trata-se a relação pessoal com a morte como se fosse uma parada de números mais ou menos chocantes para exibir, consumir e deitar fora. Daí o tristíssimo estado das coisas: uma banalidade filosófica (?) dita por um qualquer “famoso” que tenha posto a sua própria inteligência em greve ganha uma evidência colossal, mas a simples existência de uma série tão admirável como O Grande C (The Big C), a passar no TV Séries, não faz manchetes em nenhum lado.

Criada por Darlene Hunt, para o canal americano Showtime, O Grande C é, precisamente, uma série sobre a morte. O “C” do título remete para a palavra cancro. A protagonista, uma professora de liceu, admiravelmente interpretada por Laura Linney (também produtora executiva), sofre de melanoma terminal. Entre uma família não muito equilibrada e uma vizinhança nem sempre muito acolhedora, ela decide viver numa espécie de corda bamba emocional em que a partilha ou a ocultação do seu estado implica inevitáveis diferenças na relação com os outros.

Estamos, aqui, bem longe da sinistra piedade que, quase todos os dias, encontramos nas conversas de reality show. Não se trata de reforçar o discurso paternalista que reduz o paciente a uma marioneta emocional, mas de fazer o retrato de um quotidiano em que, afinal, a nitidez da morte é vivida como um factor de relançamento da vida. Apostando numa desconcertante frieza realista, combinada com uma ironia contagiante, a série consegue essa coisa rara e preciosa que consiste em valorizar o carácter irredutível de cada ser humano. Em boa verdade, O Grande C retrata a comédia da vida. Morte incluída.

Beloved, 1990

2012-01-21T11:06:00.002Z

Esta semana recuperámos como “disco pe(r)dido” o álbum Happiness, que os Beloved editaram em 1990. Um disco de visões pop, animado pelo fulgor de ensinamentos recentes colhidos na house, acid house, ambient house e outras manifestações emergentes da então vibrante club scene. Hoje recordamos aqui The Sun Rising, teledisco que acompanhou um dos singles extraídos deste álbum dos Beloved.

Um ano para viver Guimarães

2012-01-21T11:03:00.001Z

Foto: N.G.

Guimarães é a partir de hoje a Capital Europeia da Cultura. Ao longo do ano a cidade acolhe uma programação atenta às mais diferentes áreas da produção artística. Reequipada, Guimarães foi alvo de obras profundas ao longo dos últimos meses, requalificando espaços para acolher todo um ano de iniciativas, contribuições que ficam também como legado deste ano especial para a vida futura da cidade.

Hoje o dia é protocolar, com cerimónia de abertura pelas 18.00 horas no Pavilhão Multiusos. À noite, os Fura dels Baus apresentam um espetáculo de rua que andará pela cidade.

A partir de hoje acompanharemos aqui algumas das iniciativas da Guimarães 2012. Para já podem consultar no site oficial da Capital Europeia da Cultura mais informação sobre o que já aconteceu e o que está para vir ao longo dos próximos meses.

Os primeiros passos além-Japan

2012-01-21T10:58:00.004Z

Discografia David Sylvian - 1
'Bamboo Houses / Bamboo Music' (single), 1982
com Ryuichi Sakamoto

Iniciamos hoje um novo percurso através de uma discografia. Assinalando os 30 anos da obra a solo de David Sylvian, começamos assim por recuar a 1982 e àquele que foi então o seu primeiro disco editado a solo, ainda o músico integrava os Japan.

Não era a primeira vez que David Sylvian trabalhava com Ryuichi Sakamoto. Do bom acolhimento dos japoneses à música dos Japan, logo em finais dos anos 70, surgiu uma vivência e partilha de ideias que cedo colocou o vocalista dos Japan em contacto com a figura central da Yellow Magic Orchestra, banda fundamental da primeira geração pop electrónica e nome de proa da música japonesa de então. Colaboraram pela primeira vez em Taking Islands in Africa, um dos temas do álbum Gentleman Take Polaroids (1980) dos Japan. Mas em 1982 editaram juntos um primeiro single, ao qual chamaram ainda a colaboração de Steve Jansen (também dos Japan). Bamboo Houses / Bamboo Music lança ideias. Explora as potencialidades das suas visões instrumentais (na verdade representando o passo adiante do que os Japan haviam experimentado no álbum de 1981 Tin Drum) e aprofunda a demanda de personalidade na atitude vocal de Sylvian. Os temas foram co-produzidos pelos dois protagonistas e Steve Nye e tiveram ediçãoo nos formatos de 7 e 12 polegadas, pela Virgin Records.

Imagens do teledisco para Bamboo Music, que acompanhou em 1982 o lançamento deste primeiro single conjunto de Sylvian e Sakamoto.

Entrevistas de arquivo: Philip Glass, 1996

2012-01-21T10:54:00.003Z

Este texto recorda uma entrevista a Philip Glass por alturas da estreia em Lisboa da ópera Les Enfants Terribles, a terceira de uma trilogia baseada em filmes de Jean Cocteau A entrevista foi originalmente publicada na edição de 30 de Outubro de 1996 do DN.

O seu regresso a Lisboa acontece com o fecho da trilogia de óperas baseadas em Cocteau. Porquê este autor como mote para um ciclo?
Foi um ciclo interessante, baseado em filmes realizados por Jean Cocteau entre 1946 e 52, um curto intervalo de tempo. Inicialmente eu abordei a ópera ao ponto de entender como é que um filme poderia estar na sua génese. Muitas óperas nasceram de outras literaturas. E, cem anos depois do aparecimento do cinema, com toda uma nova linguagem apresentada, ainda ninguém tinha feito uma ópera baseada num filme. Houve apenas experiências na Broadway. E não podemos ignorar no cinema uma enorme fonte de criatividade. Decidi, então, tentar três modelos de o fazer, escolhendo Cocteau, um grande colaborador multifacetado. Quase um mentor para o meu trabalho, dado o seu envolvimento em diversas formas de espetáculo. Comecei com Orphée, e depois da La Belle et La Bête e, aos poucos, reparei que cada um dos casos levantava a questão da criatividade e, para o colocar de modo genérico, um modo muito especial de transformar o mundo real num universo de magia.

'Les Enfants Terribles'

A abordagem aos três filmes foi depois assumida de modos sempre diferentes.
Em Orphée aproveitei a trama e todos os diálogos para a construção da ópera. Em La Belle et La Bête, aproveitei todas as palavras e experimentei compor uma ópera para acompanhar a projeção do filme, pelo que as vozes tinham de estar sincronizadas com os movimentos dos lábios dos atores. Os cantores transformaram-se em intérpretes dos personagens do filme. E esse foi um passo radical. Neste Les Enfants Terribles quis ultrapassar o filme e retomar o livro, escrito pelo próprio Cocteau por volta de 1926. O filme já era uma interpretação do livro. Resolvi fazer o mesmo, numa interpretação paralela ao filme. E, já que regressava ao livro, necessitava uma outra forma para experimentar a encenaçãoo.

E aí a ideia de convidar a coreógrafa Susan Marshall?
De facto. Resolvemos formar uma companhia de performers, cantores e dançarinos. Sempre tive dança nas óperas (e O Corvo Branco também terá), num modo tradicional (a ópera é interrompida, surge um bailado e, depois, a ópera recomeça) ou não. Assim aconteceu em Einstein On The Beach, em Akhnaten, em Civil Wars e outras, ora em momentos de dança, de canto ou em situações de convívio.

Já tinha feito várias bandas sonoras. Esta trilogia exigiu um trabalho diferente?
Com La Belle et La Bête tive, inclusivamente, de respeitar os tempos (e usei cronómetros e máquinas de calcular). Em Orphée não me preocupei com o timing do filme. Em Les Enfants Terribles tive maior liberdade para fazer uma adaptação mais completa, e cheguei mesmo a não usar muitas partes do filme.

'La Belle et la Bête'

Até ao momento gravou apenas as óperas da trilogia-retrato e La Belle et la Bête. As muitas outras que já compôs serão algum dia gravadas?
Acabámos de gravar há poucos dias o Civil Wars, que deverá sair em 1997 e, em Dezembro, entramos em estúdio para registar Les Enfants Terribles, o que aumentará significativamente a discografia, que me parece bastante recheada para um autor contemporâneo. Entretanto concluí uma outra ópera, The Marriages Between Zones Three, Four and Five, e sei que passarão anos antes de as ter todas gravadas. A mais difícil de todas será The Voyage, um trabalho de grande escala.

Qual das óperas o realizou mais como compositor?
Satyagraha sempre ocupou em mim um lugar muito especial. Einstein on The Beach é também única e radical e foi o ponto de partida.

E continua a ser um marco histórico. Porque passou, depois, a abordar a ópera de um modo mais tradicional?
Einstein criou um mundo seu. Não fui nunca tentado a repeti-lo e, entretanto, senti vontade em experimentar a escrita para o canto operático.

Foi uma das muitas regravações e reedições diferentes. Haverá mais na calha?
Creio que editarei discos enquanto a editora os quiser e ela enquanto o público os comprar. Recentemente regravamos o Music in 12 Parts. Estas reedições destinam-se a recolocar no mercado peças que não se encontravam porque foram lançadas em vinil há mais de 20 anos. Entretanto gravei obras mais recentes, como as Sinfonias nº 2 e 3, o Concerto para Saxofone, highlights de Civil Wars e uma peça orquestral chamada The Light, com a Vienna Radio Orchestra. Discos que deverão ser editados em 97. Fiz entretanto um bailado baseado em Heroes, de Brian Eno e Bowie, que será editado já em janeiro.

E aventuras além do universo erudito?
Ainda há dias terminei uma canção para o Mick Jagger, por exemplo. Tenho um passado musical de grande diversidade e permito-me a fazer coisas diferentes. E porque não?

'Songs From Liquid Days'

E não acredita que os anos 90 são a década da definitiva abolição de fronteiras entre os géneros?
Sem dúvida! Há muito que trabalho nesse sentido e sinto-me feliz por ver as coisas a seguir esse rumo. Lembro-me de um momento em que estava a trabalhar simultaneamente com Suzanne Vega e Laurie Anderson. É interessante ter a liberdade para assim agir, mas tem de se estar preparado para certo tipo de críticas. E já não presto atenção ao que se diz, caso contrário não faria metade do que faço.

Ainda faz sentido falar em minimalismo no contexto atual?
Creio que teve o seu momento histórico, em meados de 60 e a sua importância fundamental foi o facto de ter assistido à reformulação da linguagem da música moderna por uma série de jovens compositores que rejeitava o que tinha aprendido da geração anterior. A diversidade da música nos nossos dias é tão vasta que apenas num circuito muito restrito se pode definir uma música por uma só linguagem , apenas nas escolas. A grande contenda entre a música serial e o minimalismo não interessa aos novos compositores. Estão-se nas tintas para isso. Estão mais entusiasmados com uma música baseada no caos ou no ruído, na world music, na tecnologia.

Todd Levin, por exemplo, experimentou as regras da dance music num contexto sonoro “clássico”...
Conheço-o bem e gosto do seu trabalho. Vou, de resto, editar um disco seu na Point Music, a editora que de certa forma ajudo a dirigir.

Vê nas bandas atuais, como os Depeche Mode e outros projetos electrónicos, não esquecendo os “pais” Kraftwerk, alguma descendência do seu trabalho?
No início dos anos 70 toquei muito com o ensemble na Alemanha e grupos como os Kraftwerk ou os Can tinham um bom relacionamento comigo, de franco diálogo. Isso era sabido. Quando surge a primeira geração techno pop este tipo de relacionamento da pop, muito vivo e gratificante, sempre me entusiasmou. De resto, gravei recentemente com o Aphex Twin e devo dizer que nada disto é novo. Esta dicotomia que separa a música popular da clássica é recente! Os primeiros bailados de Stravinsky não seriam possíveis sem os estudos sobre a música popular russa de Rimsky Korsakov. Stravinsky trouxe para uma linguagem sinfónica as raízes da música popular do seu tempo. De certo modo continuo essa tradição. Há um puritanismo protecionista em relação à música clássica que me assusta. O diálogo entre as diversas músicas é entusiasmante e produtivo.

Etta James (1938 - 2012)

2012-01-20T20:23:00.000Z

Nome grande da soul, cumpriu uma extraordinária carreira repartida por mais de quatro décadas: Etta James faleceu no dia 20 de Janeiro, no Riverside Community Hospital, em Riverside, California — contava 73 anos (completaria 74 no dia 25).

Dance With Me, Henry, At Last e Tell Mama são alguns dos títulos emblemáticos de Etta James, senhora de uma voz invulgar, e invulgarmente dramática, capaz de integrar referências muito variadas, do blues ao jazz, do rock'n'roll ao gospel. Com 28 álbuns de estúdio — o derradeiro dos quais, The Dreamer, saíu em Novembro de 2011 —, foi vencedora de seis Grammys e dezassete Blues Music Awards. Desde 1993, integrava o Rock and Roll Hall of Fame.

>>> O clássico At Last, por Etta James, e na homenagem que lhe prestou Beyoncé (na tomada de posse do Presidente Obama).

>>> Obituário de Etta James no New York Times.

Num encontro com Mathew Dear

2012-01-20T11:01:00.000Z

De o alinhamento do novo EP Headcage, de Mathew Dear, chega um teledisco que acompanha o tema In The Middle (I Met You There). A realização é de Morgan Beringer. O tema conta com a colaboração vocal de Jonathan Pierce, dos The Drums.

Sound + Vision Magazine segunda-feira na Fnac Chiado

2012-01-20T10:39:00.003Z

Na próxima segunda-feira a primeira edição de 2012 do Sound + Vision Magazine apresenta um balanço do que de melhor aconteceu em 2011. E lança ideias para o que nos espera em 2012. O encontro fica marcado para as 18.30 de dia 23, como sempre na Fnac Chiado. Nomes como os de James Blake, Terrence Malick ou os Tune Yards constam da lista de autores que destacaremos.

Novas edições: Vários artistas, Rough Trade - Electronic 11

2012-01-20T10:37:00.002Z

Vários artistas

“Rough Trade Electronic 11”

Rough Trade

3 / 5

A história conta-se todos os dias. Até mesmo à medida que vai acontecendo. É certo que o tempo e o distanciamento que estre traz nos permitem depois uma afinação dos pontos de vista. Mas podemos ir relatando o que vai sucedendo a par e passo com o que o mundo nos dá a conhecer. É talvez coisa mais parecida com uma ideia de jornalismo que de um relato segundo as regras de quem redige a história. Mas esta proposta de guardar um retrato do passado recente logo no instante depois dele acontecer tem a função acrescida de divulgação daquilo que eventualmente escapou até aos mais atentos. Falamos em concreto de uma antologia esta semana lançada pela Rough Trade e que nos coloca perante um retrato do que 2011 escutou no departamento das electrónicas. Se, à partida, a sugestão pareceria sempre ter o seu interesse, num ano de tão magra dieta de ideias nos campos das guitarras (raras sendo as propostas que vale a pena reter entre exemplos maiores da banda sonora do ano que agora acabou), o retrato apresentado ganha ainda mais sentido de oportunidade. O retrato faz-se em 22 temas. E desde logo podemos ora comentar os escolhidos como referir os que ficaram de fora. E se é notória a ausência de um James Blake (queira-se ou não, goste-se ou nem por isso, foi uma das figuras centrais do mapa da música – electrónica e não só – ao longo do ano), as não representações de nomes como os de Jai Paul, Jamie Woon, Washed Out, ou Son Lux podem explicar-se das mais variadas razões, uma delas o simples facto de não andarmos todos a ouvir (e a gostar) do mesmo. Ou seja, nada contra. Na verdade, e apesar da presença (incontornável, assinale-se) de John Maus ou Nicolas Jaar, a compilação através da qual a Rough Trade faz o retrato electrónico de 2011 vive mais da sugestão de nomes em afirmação ou figuras experientes algo afastadas do gume das atenções mediáticas. Da house revisitada pelos já reconhecidos Hercules & Love Affair às texturas criadas pelo ilustre Alva Noto aos pólos no gume da invenção que juntam nomes como Ford & Lopatin, Rene Hell ou Flying Lotus, o panorama revela um ano de visões com horizontes largos que lançam bases para que 2012 leve ainda mais adiante as ideias. O disco talvez falhe na vontade de alargar tanto o leque de escolhas ao ponto de desfocar (e diluir) uma eventual sugestão dos caminhos essenciais que 2011 trilhou. O mergulho pelas estéticas industriais na reta final do alinhamento ou o dispersar de atenções em propostas mais experimentais por um lado garante verdade ao retrato, por outro transforma o alinhamento num menu com excesso de sabores... Mesmo assim, uma boa ideia.

Viver a história (quando ela contece)

2012-01-20T10:34:00.000Z

É no mínimo um privilégio podermos assistir à história quando ela acontece frente aos nossos olhos. E se tantas vezes imaginamos como seria ver Mahler a dirigir as suas obras em inícios do século XX ou estar numa plateia quando Liszt nos começou a habituar à ideia de ver um pianista como centro das atenções num serão de música, em janeiro de 2012 temos a oportunidade de contar, pela nossa frente, e ao vivo, com um dos maiores talentos na composição do nosso tempo. Com apenas 31 anos (e no currículo já uma multidão de obras, discos gravados, prémios e elogios), o britânico Thomas Adès é lisboeta ao longo desta e da próxima semana, num pequeno ciclo que a Gulbenkian nos propõe e que culminará com a apresentação de Polaris: Voyage For Orchestra, uma obra co-encomendada pela fundação que o compositor apresentará à frente da Orquestra Gulbenkian nos dias 27 e 28.

Ontem o primeiro concerto com obras e direção de Adès teve (como os demais deste ciclo) o mérito de juntar a sua música à de outros compositores (e outros tempos), mostrando como a história, mesmo quando a aponta noutros sentidos, vive de uma soma de factos que habitam, inevitavelmente, na memória do que acontece hoje e se projeta adiante. Foi por isso curioso que o concerto começasse com três estudos que Adès criou em 2006 tendo por base uma admiração maior pela música de François Couperin (1668-1733), cuja memória visitara já, nos anos 90, em Les Barricades Mystérieuses. Da música de Couperin (cujas marcas são reconhecíveis) Adès parte em busca de novos caminhos que ora descobre em abordagens mais centradas na textura ou na cor, o balanço entre o antigo e o presente, o visitante e o visitado, diluindo-se entre a orquestra (a Chamber Orchestra of Europe) frente aos nossos olhos.

Mais intenso ainda foi o momento em que Adès, já na segunda parte do concerto, deu voz ao seu absolutamente magnífico Concerto para Violino (de 2005). Herança direta das ideias desenvolvidas na sua segunda ópera (The Tempest, que a Gulbenkian apresenta em versão filmada esta segunda-feira), o concerto faz do violino uma voz que caminha o seu trajeto ao lado de uma orquestra que desenha motivos que ganham forma numa dinâmica circular, umas vezes afastando-se noutras aproximando-se da turba que se desenvolve ao seu redor. Há um jogo de contrastes nos sons, na energia, na fragilidade da voz do solista (que contou em cena com um soberbo Pekka Kuusisto) e um sentido de arrumação que é expressão do rigor técnico e da expressão de uma individualidade na composição de Adès.

Um Nuits d’Eté de Berlioz (com segura presença do tenor Toby Spence) e uma viçosa Sinfonia Nº 6 de Sibelius completaram o programa de uma noite que brilhou sobretudo pela oportunidade de nos colocar frente à música do século XXI.

Uma sinfonia pelo milénio

2012-01-20T10:30:00.002Z

Mês Philip Glass - 20

Se as primeiras obras de Philip Glass apontavam essencialmente no sentido da busca (e, depois, afirmação) de uma ideia formal, com o tempo a sua identidade filosófica começou a marcar presença em composições que foram assim aprofundando as características da sua personalidade e o seu mundo de opiniões e preocupações. Cedo ficou clara uma ideia de existência humanista e um interesse transversal pela exploração de misticismos de várias origens e das afirmações de diferença entre culturas que, no fundo, e depois de somadas, mais não são senão os tijolos que constroem a nossa identidade comum.

Ao pensar numa obra maior para o assinalar da viragem, do milénio Glass procurou expressar estra imensa variedade de expressão de ideias e crenças num mesmo espaço comum. Sob a forma de uma sinfonia vocal (mais próxima portanto do gume central da sua obra para os teatros de ópera), elaborou uma visão grandiosa que cruza textos de origens tão distintas como o grego, chinês, japonês, hebraico, sânscrito e diversas línguas indígenas, traduzidos para inglês. A Sinfonia Nº 5, até hoje a sua maior e mais interessante obra para orquestra (além, claro está, do trabalho para o mundo da ópera) junta assim as culturas e crenças do mundo sob uma voz comum expressando um canto de confiança e fé da humanidade sobre si mesma.

A sinfonia teve gravação pela Vienna Radio Symphony Orchestra e vários solistas, sob direção de Dennis Russel Davies. A edição, pela Nonesuch, surgiu na forma de CD duplo acompanhado por um packaging que reforça a ideia de recolha de textos antigos, cada qual impresso em folhas separadas, com cores diferentes, da soma do que os distingue surgindo uma vez mais essa mesma noção de identidade que vive da junção das diferenças e não da sua diluição.

Bruce Springsteen: álbum em Março

2012-01-20T00:45:00.000Z

Anuncia-se um objecto de intensa carga política e influências de... percussão eletrónica e hip-hop: o 17º álbum de estúdio de Bruce Springsteen chama-se Wrecking Ball e tem lançamento marcado para 6 de Março. De acordo com notícia publicada pela Rolling Stone, a produção é partilhada por Springsteen, o velho aliado Jon Landau e Ron Aniello (que já trabalhou com Patti Scialfa, mulher de Bruce). Este é o primeiro tema divulgado: We Take Care Of Our Own.

No regresso de Santigold

2012-01-19T10:03:00.000Z

Com produção de Switch e dos Buraka Som Sistema, Santigold está de regresso com Big Mouth. aqui fica o teledisco.

Discos pe(r)didos: Beloved, Happiness

2012-01-19T10:00:00.001Z

Beloved

“Happiness”

EastWest

(1990)

É ao escutar os sinais dos tempos que muitas vezes as bandas encontram o seu caminho. Os Beloved tinham já lançado alguns singles e mesmo um álbum de estreia (lançado em 1989, e então quase invisível ) quando deixaram que o clima que semana após semana conquistava adeptos nas noites dançantes de Londres (e Ibiza, em tempo de férias) sugerisse novos caminhos. Jon Marsh tinha já passado por outras aventuras e, depois de uma cisão de um núcleo original em 1987, manteve ativos os Beloved como um duo (com Steven Waddington). É ao sexto single, Your Love Takes Me Higher, editado em inícios de 1989, que surgem claramente animados por uma ideia pop iluminada por ideias escutadas na house e acid house (adiante revelando ainda sinais de interesse pelas emergentes formas de um novo techno). A aparente fragilidade da voz de Marsh, o melodismo seguro da composição e a solidez insistente da arquitetura rítmica da canção cativou atenções e não deixou dúvidas quanto ao caminho que deviam seguir. Tanto que, meses depois, em Outubro de 1989, apresentavam em The Sun Rising uma ainda mais expressiva assimilação das novas vitaminas libertadas pela club scene na forma de um tema que, no fundo, não deixava de ser uma canção de alma pop. Seguiu-se, já em 1990, Hello, o trio de singles servindo então de cartão de visita para um álbum que confirmou em pleno a solidez da visão abraçada pelos Beloved. O disco mostrava uma filiação atenta às novas revelações lançadas pela música de dança do seu tempo, mantinha firme uma identidade pop (ciente da canção como forma central a trabalhar), abria espaço a soluções se arranjos que sugeriam uma certa elegância (devidamente suportada por uma produção polida e eficaz). Juntamente com álbuns como World Clique, o primeiro dos Deee Lite ou Behaviour, dos Pet Shop Boys, Happiness é um disco quer marca o momento em que a pop escuta e integra na matriz das suas canções os ecos da revolução que a globalização do fenómeno house lançou em finais dos oitentas. Não repetiram nunca o encontro feliz de argumentos e ingredientes que aqui mostraram e, com o tempo, perderam viço e visibilidade. Mas em Happiness os Beloved assinaram um dos primeiros grandes discos da pop dos anos 90.

Thomas Adès em Lisboa

2012-01-19T09:55:00.004Z

É algo avesso a grandes mediatismos, não é muito dado a entrevistas e, depois de erradamente citado, sendo-lhe atribuídas declarações que nem eram suas, não admira que Thomas Adès não seja uma figura com maior visibilidade no panorama atual da música. Ele é, contudo, um dos mais interessantes compositores do nosso tempo e, sem dúvida, o melhor exemplo de como o trabalho é chave para a definição de um rumo e o talhar de uma identidade entre os músicos da sua geração.

Com apenas 31 anos Thomas Adès é um compositor já com uma considerável obra gravada, sendo mesmo um nome central do catálogo atual da EMI Classics. A Fundação Gulbenkian inicia esta semana um ciclo dedicado à sua música que conta com a sua presença em Lisboa para dirigir uma série de concertos e, inclusivamente, estrear uma obra co-encomendada pela própria Fundação.

O primeiro concerto tem lugar já hoje pelas 21.00 horas. À frente da Chamber Orchestra of Europe, Thomas Adès vai dirigir os seus Three Studies from Couperin e o Concerto para Violino (com Pekka Kuusistu como solista). A noite inclui ainda Nuits d’Eté de Berlioz (contando com a voz de Toby Spence) e a Sinfonia Nº 6 de Sibelius.

A solo, ao piano

2012-01-19T09:54:00.001Z

Mês Philip Glass - 18

Se numa primeira etapa da sua carreira Philip Glass compôs essencialmente para teclados eléctricos e electrónicos, a partir de certa altura o piano começou a entrar aos poucos no seu espaço. Em Glassworks apresentou um momento para piano solo. E em finais dos anos 80 dava por si a editar um primeiro disco reunindo uma série de peças originalmente compostas para piano (uma delas, Wichita Sutra Vortex na verdade tendo na origem uma leitura de poemas com Allen Ginsberg).

O disco, que além de Wichita Sutra Vortex inclui Mad Rush (originalmente composta para órgão) e o ciclo Metamorphosis, surgiu numa altura em que, com menos obras (e menos solicitações) para o seu ensemble, o compositor começava a correr o mundo em recitais para piano, nestas peças encontrando algumas das obras que habitualmente apresentava a sós, frente a um piano e com plateia a seu lado, assumindo assim uma herança que remonta aos dias de Liszt. Glass afirmava então que fazer recitais era uma tarefa bem mais simples. Porque, em suma, não precisava nem de mais músicos, nem de equipamento, nem mesmo de um agente na estrada a seu lado. “Levava tudo na minha cabeça”, recorda em palavras que encontramos no booklet de Solo Piano.

Muitas destas obras ainda hoje integram os recitais a solo de Philip Glass e conheceram entretanto gravações por outros pianistas em diversas editoras. Com o tempo Philip Glass aprofundou o seu trabalho solista a piano e compôs novos estudos, que entretanto gravou já pela sua Orange Mountain Music.

'Cerro Negro' em Roterdão

2012-01-19T09:52:00.000Z

O realizador português João Salaviza, que venceu uma Palma de Ouro em Cannes em 2009 com Arena, tem uma curta-metragem sua, com cerca de 20 minutos de duração, no programa da edição deste ano do festival de Roterdão. Com o título Cerro Negro, e resultado de uma encomenda do Programa Gulbenkian Próximo Futuro, o filme integra a secção Spectrum Shorts e será projetado nos dias 28 e 29. Cerro Negro centra atenções na vida de um casal brasileiro em Lisboa que luta contra uma separação forçada.

O melodrama segundo Téchiné

2012-01-18T22:05:00.000Z

Francês, herdeiro de Max Ophuls, Jean Renoir e François Truffaut, André Téchiné persiste (e bem) no labor melodramático — este texto foi publicado no Diário de Notícias (16 Janeiro), com o título 'A arte perdida do melodrama'.

A degradação “telenovelesca” do espaço audiovisual exprime-se através de um contínuo desrespeito pelo classicismo cinematográfico. Assim, por exemplo, desde o mais banal senso comum até alguns discursos jornalísticos, a palavra melodrama passou a ser associada a um convencionalismo superficial e anedótico. Como todos os preconceitos, também este se alimenta de uma imensa ignorância histórica: como fazer a história do cinema sem considerar a beleza e a inteligência dos seus melodramas? De David W. Griffith a Woody Allen, passando por Max Ophuls, Vincente Minnelli ou François Truffaut, a escrita melodramática constitui um património de fascinante riqueza e complexidade, continuando a questionar-nos e, em particular, a questionar a nossa relação com o presente.

A estreia do mais recente filme de André Téchiné, Imperdoáveis, mesmo não sendo das suas obras mais perfeitas, confirma-nos a filiação do cineasta nesse espaço do melodrama, quer dizer, num sistema de narrativas em que as componentes afectivas se expõem sempre como elementos de uma complexa dinâmica social. Ao mesmo tempo, não há aqui nenhuma cedência a uma certa sociologia de bolso que tudo reduz a determinismos típicos de debate televisivo: as relações sociais apresentam-se indissociáveis das emoções das personagens, abrindo-se aos enigmas do inconsciente.

O filme é tanto mais interessante quanto consegue também contrariar o cinismo “romântico” que reduz as histórias de amor a um privilégio narrativo da juventude (chega a ser assustador o que, nas nossas sociedades, se faz em nome da “juventude”...). As personagens principais de Imperdoáveis são mesmo dois adultos já para além dos 50 anos: ele (André Dussolier), um escritor que decide instalar-se em Veneza, ela (Carole Bouquet), uma agente imobiliária que tenta arranjar-lhe uma casa. O seu envolvimento vai desenvolver-se num duplo sentido: lidando com a surpresa do seu amor, enfrentando as dúvidas sociais ou familiares que a sua ligação suscita. Mais do que uma “descrição” sentimental, Téchiné procura esses momentos em que as personagens deparam com uma diferença visceral: a que se revela entre os seus desejos e a percepção pública da sua relação.

A existência do melodrama está também condicionada pelas opções dominantes do mercado. E não apenas pelos títulos exibidos. Também pela visibilidade promocional que lhes é conferida. No caso de Téchiné, por exemplo, desde Os Tempos que Mudam (2004) que os seus filmes não chegavam às salas portuguesas, mantendo-se inéditos Les Témoins (2007), crónica vibrante dos anos 80 marcada pela descoberta da sida, e La Fille du RER (2009), subtil recriação de um fait divers parisiense. Agora, pelo menos, com Imperdoáveis, podemos reencontrar um dos mais importantes autores do cinema francês das últimas quatro décadas.

Oscar de melhor filme estrangeiro: 9 títulos

2012-01-18T19:29:00.000Z

No processo que conduzirá às nomeações para os Oscars (24 Janeiro), a Academia de Hollywood acaba de divulgar a short list, de nove títulos, a partir da qual serão encontrados os cinco nomeados para o Oscar de melhor filme estrangeiro. São eles:

* BÉLGICA, Bullhead, de Michael R. Roskam

* CANADÁ, Monsieur Lazhar, de Philippe Falardeau

* DINAMARCA, Superclásico, de Ole Christian Madsen

* ALEMANHA, Pina, de Wim Wenders

* IRÃO, A Separation, de Asghar Farhadi

* ISRAEL, Footnote, de Joseph Cedar

* MARROCOS, Omar Killed Me, de Roschdy Zem

* POLÓNIA, In Darkness, de Agnieszka Holland

* TAIWAN, Warriors of the Rainbow: Seediq Bale, de Wei Te-sheng

Distinguido em Berlim/2011 com o Urso de Ouro, e mais dois prémios de interpretação (para Leila Hatami e Peyman Moaadi), o filme iraniano Uma Separação parece perfilar-se como o candidato mais forte ao Oscar; recorde-se que, há dias, lhe foi atribuído o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro.

Um mundo sem Wikipedia

2012-01-18T17:50:00.000Z

Durante 24 horas, a Wikipedia impôs a si mesma um bloqueio: a versão original (inglesa) do site está em blackout, protestando contra dois projectos de lei em discussão nos EUA, na Câmara dos Representantes e no Senado. Segundo os responsáveis pela enciclopédia virtual, a nova legislação — genericamente, sobre as questões de copyright na Internet — poderá produzir exactamente o contrário do que pretende defender, ou seja, crescentes limitações à livre expressão dos cidadãos.

Escusado será dizer que este é um problema que nos envolve numa complexa teia de temas, dúvidas e reivindicações (já aqui referida num post do Nuno). Ao mesmo tempo, a sua simples manifestação leva-nos a experimentar, durante 24 horas, o real/irreal de um mundo sem Wikipedia... Dir-se-ia que vislumbramos, assim, a inelutável secundarização do valor enciclopédico tradicionalmente atribuído à impressão em papel. Daí a pergunta estranhamente marginal: por que é que, para além dos muitos méritos da Wikipedia, já nem falamos de um possível retorno ao livro?